Top de pelis del 4º año de El CritiKrator

Otro top para commemorar el 4º aniversario y con ello termino los fastos de ese acontecimiento.

Este año ha sido el más cinematográfico desde que tengo blog. No sólo he ido más al cine, sino que este ha ganado en presencia en el blog, y esto es muy significativo porque este año ha habido menos post que nunca. Todo esto ha sido porque este año he videado muchas pelis buenas, aunque de nuevo, como vais a comprobar en el top, las mejores son de otros años. A pesar de eso, este año no ha estado mal, he ido más al cine que en cualquiera de los 3 años anteriores, ya que ha habido más pelis que me han llamado la atención.

De todas formas, estas pelis no me han enamorado. Algunas se han ganado un post, entre estas la mejor ha sido "Gran Torino", y otras no. Estas últimas han sido unas cuantas: "Déjame entrar" que me ha parecido demasiado sueca (gafapasta) y demasiado cruel y agria, aunque hay que alabar su singularidad y voluntad de hacer algo diferente y aplaudir que así, cuando hoy eso cada vez es más difícil, haya obtenido un buen resultado, que más que las bondades de la peli, ha sido transcender fronteras (y eso es mucho siendo sueca). "Distrito 9" que, aunque demuestra que hoy lo mejor esta fuera de Hollywood, ya que si esta peli hubiese estado producido por un gran estudio no hubiera sido tan convincente, sórdida y agria, el presupuesto le corta las alas y el guión esta poco trabajado, acabando por ser una buena idea simplificada y víctima de la acción y los efectos digitales. "Resaca en las Vegas" es la peli, quitando la de Eastwood, que más me ha gustado de este año. Aunque como comedia le falta acidez, crítica y espíritu políticamente incorrecto es una obra solvente y fresca (chistes y gags nuevos en un tema muy manido ya), que habría estado mejor con unos actores más cómicos y un ritmo más agil, de todos modos, el chiste del bebé masturbándose y las fotos finales son memorables. "Moon" ha sido una peli muy floja, vuelvo a dejar de fiarme de los premios de Sitges. La peli es ambiciosa y estilísticamente impecable, mucho más viendo como ha solventado la castrante falta de presupuesto, pero los autores (director y guionista) no estan a la altura de su idea de modo que en vez de ser una peli filosófica y profunda, es un cuento facilón como demuestra ese final tontorrón. Mi gran apuesta del año, "Malditos Bastardos" me ha salido mal. Yo me esperaba unos "Violentos de Kelly" y me he encontrado con una peli muy mediocre víctima de un Tarantino al que le pone mucho, la peli lo demuestra, escucharse. En esta peli se habla demasiado y hay demasiado poca acción y humor. Por otro lado, es una peli muy conservadora. Me parece muy fácil juzgar y condenar a los nazis (aunque igual la peli quiere decirnos que somos tan malos y crueles como ellos) y por tanto poco interesante ver la enésima peli donde eso se hace. Qué va a ser lo próximo Tarantino, una peli mitiéndose con el Imperio Romano por perseguir cristianos? "Star Trek" la vi porque tengo buenos amigos trekkies, pero me pareció muy floja y mediocre y con un malo demasiado ridículo (un minero!) para hacer que el público se crea que es una amenaza. De todas formas, aplaudo su valentía de intentar hacer algo nuevo aunque respetuoso con algo viejo y de hacer el boca a boca a una franquicia demasiado hortera e inmovilista. Y ya, sin más, el top:

El planeta de los simios: Una de las mejores pelis de CF de todos los tiempos. Grande y enorme. Sobria pero espectacular. Con una magnífica historia pop y un inconmensurable C. Heston que es capaz de reunir en sí mismo todo lo patético y todo lo heroico que tiene la humanidad. Un clasicazo que nunca morirá con una bs maravillosa, momentos brillantísimos y uno de los mejores finales de todos los tiempos.

Susana: una peli menor de Buñuel que, gracias al tiempo, se ha convertido en un clásico menor. Es una peli sencilla y sobria pero, como gracias a Buñuel captó la locura y la pasión de las relaciones heterosexuales y cuenta con un mensaje subversivo y gracias a que R. Quintana encarna esta supererótica, "Susana" es una peli muy agradable de ver.

Dune: otra gan peli de CF a pesar de que es fallida. La dirección de Lynch es perfecta, el diseño de producción es convincente y evocador y los actores estan sólidos, por eso, la peli es digna de versa a pesar de que no pudo con el reto ciclópeo de adaptar una novela tan densa, larga y filosófica como es "Dune". De todas formas, como les escribo, una peli con momentos brillantes y espectaculares.

Asesinos natos: un delirio que Stone y Tarantino convirtieron en una peli extravagente, pasada de rosca, exagerada, cómica y sobre todo apasionante y flipante. Una peli que a pesar de que los protagonistas no estan a la altura, es un soberbio espectáculo lisérgico. Aunque claro, en tv pierde mucho.

Psicosis: uno de los peliculones de Hitchcock. Una peli magnifíca como demuestra que ha resistido muy bien el paso del tiempo a pesar de ser muy de su época. La dirección del maestro del suspense sigue funcionando e inquietando y el trabajo de los actores, sobre todo de Perkins, es magnífico, lo que hace que, a pesar de la ingenua y pasada ya escena final de Norman Bates hablando a la cámara, la peli sigue emocionando y siendo espectacular. Y todo eso sin mencionar la escena de la ducha.

Cuando al destino nos alcance: hubo una época maravillosa donde se hacía CF pop como churros. De todas esas pelis, un tanto pasadas de rosca (eran los 70), pesimistas y audaces, emerge como un coloso esta. Una peli sencilla donde, además, casi todo el presupuesto debió de irse al sueldo de C. Heston, pero que aún así consiguió ser una peli tierna, entrañable y entretenidísima que se ha mostrado más profética de lo que muchos pensamos cuando la veíamos en el siglo pasado. Por eso ha conseguido pasar la prueba del tiempo. Pero en tv no es lo mismo.

El bueno, el feo y el malo: una de las pelis más grandes del cine. Una peli, como "Psicosis", revolucionaria e histórica. El Cine no ha vuelto a ser igual porque es imposible serlo después del tremendo espectáculo que nos legó Leone. Más allá de un guión sencillo y pop redondísimo, más allá de unas brillantes actuaciones, sobre todo de Wallach que, como se suele decir, se come la pantalla, esta una dirección soberbia por parte de Leone que, partiendo de la sencillez y el sosiego, nos lleva a uno de los momentos cumbre y más paroxísticos del Cine. Ese duelo final donde la peli baila una danza de muerte extática haciendo, con ello trascender, al público no tiene precio.

Critiquita 288: All Star Batman y Robin, F. Miller y J. Lee, Planeta DeAgostini 2009

Gracias a la biblioteca del barrio donde vivo he podido leer el otro cómic del año. Y la verdad, le escribo un post por eso (es curioso que desde que se publicó en España ya no se ha vuelto hablar de él), ya que por sí mismo no me ha motivado.
Lo 1º decir que no me ha parecido tan espeluznante como la opinión mayoritaria dice. Por eso, me esperaba un cómic malísimo, pero me he encontrado con un cómic mediocre que rezuma extravagancia por todos lados. Este último punto creo que es el mayor handicap de este cómic, pues lo hace ininteligible. Quiero decir, lo he leído entero y no me he enterado, igual que todo el mundo, de que es lo que Miller quiere contar. De esta forma, la falta de respuesta a la pregunta de qué esta contando Miller, es lo que más perjudica a esta obra. Qué es? Una gamberrada? El producto de una mente decadente? Una parodia del grim&gritty que el contribuyó a crear? El delirante pensamiento de un neocon? Un timo? Ni idea. Y lo malo es que nada se puede descartar, porque en sus páginas se pueden encontrar elementos que respondan afirmativamente a todas esas preguntas. De todas formas, aún siendo una excentricidad, es la típica obra milleriana, pues esta presente el tema ordálico, el psicológico, el de descenso a los infiernos y el de la génesis de un ser sobrehumano y, dentro del universo milleriano de Batman, la dialéctica entre este y Superman, además de estar (co)protagonizada por un niño (Martha Washington, Ronin o Badboy).

Lo importante aquí es Robin, él es el auténtico protagonista, aunque en realidad es un vehículo para hablar sobre Batman. La sensación que me ha dado la lectura es que este cómic es una especie de evangelio perdido. Me explico, de Jesús no sabemos nada, los evangelios hablan de su nacimiento y luego pegan una elipsis tremenda que nos lleva a 30 años después. Esto hace que no sepamos nada de la infancia y juventud de este pj. Con los superhéroes, exceptuando a Superman, pasa lo mismo, en especial con Batman (aunque su longevidad y éxito ha hecho que hayan surgido historias ambientadas en ese hueco). De la infancia de Batman sólo sabemos que sus padres fueron asesinados en su presencia, todo lo demás es de muchos años después. Esto es evidente si nos circunscribimos exclusivamente al Batman de Miller. En fin, que a mi me ha parecido que este guionista quiere contarnos la infancia y juventud de Batman a través de su relación con Robin, alguien bastante similar a él, así como la conversión de los superhéroes en tales.

Batman y WW son retratados aquí como unos psicópatas y Canario Negro como una sociópata. Todos disfrutan enormemente con la violencia y no les redime, en estos tiempos pacifistas que no sé si serán compartidos por Miller, que hayan decidido centrarse en los delincuentes. De esta forma, todos los superhéroes de "All Star Batman y Robin" son justicieros, es decir, superhéroes más cercanos a como eran primitivamente (cuando Batman iba con pistolas). En esto Miller sigue siendo el mismo pues, como en su DD, sigue presentando a los superhéroes como gente muy violenta que se toma la justicia por su mano, o sea, locos. Y para él, parece ser, el más loco de todos es Batman. De ahí que el Batman de este cómic sea un chalado patético aunque peligroso (cuestiona el status quo, anima a más gente a hacer lo mismo y, sobre todo, impide que los superhéroes tengan buena imagen). Aquí entra en juego Robin, pues parece que este es la pieza fundamental para la curación de la psicopatía que sufre Batman. Leyendo a Miller parece (porque la obra esta inacabada) que el hecho de empezar a ser un padre (que lo sea de forma muy peculiar no invalida su paternidad), le va a curar, mediante el mecanismo freudiano de transferencia (algo me hace sospechar que Miller controla de Psicología), su trauma infantil. Es decir, Batman siendo padre va a rellenar el hueco que la traumática pérdida de su padre dejó.

Todo esto lo cuenta Miller con su estilo heredero de las novelas hard boiled e imponiendo una narrativa más a lo Sin city que mainstream. Pero, a pesar de que sigue siendo capaz de emocionar y comunicar, se ha abonado con pericia al descompressive storytelling y no cuenta nada excesivamente interesante e, incluso, novedoso. Lo cual hace que su trabajo sea mediocre y por tanto, en vez de ser revolucionario, sea, tan solo, una gamberrada sin consecuencias (aunque aún la obra no esta terminada).

Si Miller esta mediocre, J. Lee esta nefasto, aunque a diferencia del 1º, esto es lo habitual. Yo sigo sin entender como un dibujante tan malo ha sido uno de los más revolucionarios de la Historia. No tiene ni idea de anatomía ni de perspectiva y sus nociones de estética, composición y narrativa son mínimas. Sus viñetas son tan pésimas que sacan a uno de la lectura. Esos hombros imposibles, esos cuellos dislocados, esas piernas dispares, esas muñecas tan gruesas como los bíceps, esa incapacidad para expresar emociones (de ahí lo de los dientes cerrados una y otra vez, expresión tanto de la frustración de los dibujantes por su torpeza, como de su incapacidad para dibujar cualquier otro gesto emocional). Y saliéndonos de la anatomía, nos encontramos con un estilo limitadísimo que no sabe más que maldibujar cuerpos musculosos, jóvenes, muñecas y uniformes superheoricos. Esto último es ridículo. La incapacidad de Lee por dibujar vestidos de calle (los comics Image, y por extensión los de Lee, son atemporales en el sentido de que por su moda no se pueden datar), hace que los comics donde tienen mucha presencia ambientes no superheroicos, como este, estos últimos sean absurdos. En fin, viendo esto me explico que Lee luchase por controlar los guiones, ya que un guión como diso manda exige cosas que él es incapaz de hacer como expresar emociones (cómo debía sufrir con las parrafadas introspectivas de Claremont), dibujar personas normales, trajes de paisano, interiores, etc. En cuanto a su composición, esta es muy elemental y sobre todo convencional, de forma que es muy repetitiva y por eso sosa, ya que se limita a reiterar una y otra vez los mismos esquemas, muchos de ellos empleados desde hace ya décadas. Tengo que reconocer que aquí narrativamente esta bien, pero es porque Miller, se nota un huevo, le ha impuesto la narrativa para hacer un favor, tanto a él como a la humanidad. De esta forma, aunque pésimo, el trabajo de Lee resulta legible y sólo estorba en vez de incordiar. El gran problema de esto es el estilo contundente y realista con el Lee que quiere ser entintado, ya que este lo único que hace es poner más en evidencia todos los errores que comete. No respetar la anatomía no tiene porque traer malos resultados, ahí esta el majestuoso dibujo de G. Colan y dibujar mal tampoco, ahí esta el potente dibujo de Miller (como demuestran sus portadas, mucho mejores que las de Lee porque son más originales, contundentes, delirantes y expresivas). El truco esta en el entintado, si este no contradice el dibujo es perfecto. Lee, como dibujas con el culo, no hagas que te entinten como si lo hicieses de puta madre porque el resultado es aberrante.

La edición de PDA no me ha gustado. No he visto ningún error en ella (si obviamos la rotulación del título), simplemente la encuentro fuera de lugar. Para empezar el tamaño, ignoro si el original es así de grande, pero, desde luego, este tamaño no favorece las continuas y groseras meteduras de pata de Lee. No me parece bien PDA que manipules el tamaño de los originales, lo admito si es por imperativos mercantiles, pero por lo menos hazlo con sentido, no aumentes lo que no esta hecho para ser aumentado (como el dibujo de Gibbons) ni disminuyas lo que no esta hecho para ser disminuido (como casi toda la bd que publicas). Por otro lado, el aspecto de tomo de enciclopedia no encaja con el contenido, resultando una edición aberrante. Aunque de todas formas, a diferencia de la edición de ASS, no es esta la que ha hecho que no vaya a comprar este cómic.

Así pues, tenemos un cómic muy heteredoxo, lo que explica que haya descolocado y sacado de quicio a los lectores habituales pues, el estar acostumbrados a unos convencionalismos y unos cánones muy concretos, ha hecho que hayan perdido cintura (no es casualidad que el estereotipo de fan pijamero sea un gordo). Pero esta heterodoxia, siempre bienvenida en todo ámbito industrial, no puede ocultar ni justificar el trabajo, por el momento ya que esta inacabado, de Lee y Miller. Nefasto e incapaz de hacer algo a derechas en el caso del 1º y muy mediocre en el caso del 2º (aunque igual es que tiene que hacer las cosas así para motivarse a escribir guiones de superhéroes, un género que no le atrae ahora y en el que ya ha dicho todo, que van a ser dibujados por Lee). Así pues, entre el formato tomo de enciclopedia y el trabajo de los autores, la lectura de "All Star Batman y Robin" es un poco plomo y absolutamente olvidable.

Top de comics del 4º año de El critiKrator

Pues nada, como viene siendo habitual recapitulamos un poco como ha sido este último año critiKrator (de 23-XI a 23-XI).

Lo 1º decir que, este, me ha parecido mejor que los 2 últimos, pero no porque este año hayan salido cosas mucho mejores que en los pasados, sino porque, a mi parecer, la media ha subido. Los comics este año se han hecho un poco mejor que últimamente y eso, donde más lo he notado ha sido en las grapas. Desde que se marchó Vaughan de Runaways, no había vuelto a leer una grapa que me hiciese largo el mes. Este año la JSA, por la que no daba un duro, me ha dado un buen año aunque aún hay que ver como termina el tema porque esta yendo de más a menos. Por otro lado, los Thunderbolts sin Ellis me han gustado más porque han perdido mordiente y han ganado en clasicismo, aunque yo he dejado la cole porque han quitado a todos sus protas. Será por eso que las grapas de esta serie han bajado hasta el punto de ser cancelada en febrero? Y también esta Thor. A pesar de que es pasto de fill-ins, no esta mal y cuando se juntan Stra y Coipel la cosa es muy satisfactoria, aunque en mi opinión Stra tampoco esta haciendo nada especial ni bueno, pero con Coipel todo sabe mejor. Así pues, a diferencia de otros años, no hay comics especialmente buenos en el top, pero es el más igualado.

Este año ha visto también algunos cambios. El más significativo es que hasta ahora predominaban las lecturas DC, supongo que por el mayor volumen de novedades y porque mis relecturas eran sobre material DC, pero este año Marvel ha ganado interés y así ha pasado a ser el universo superheroico, aunque por poco, más presente en el blog. Esto contrasta con el puesto tan bajo de Panini en este blog (miren las etiquetas), parte de la culpa se debe a que este año he dejado de reseñar las grapas mensuales y que PDA no publica grapas.

En fin, a ver que pasa este próximo año, que entre la crisis y que las editoriales han tocado techo, parece ser que va ser bastante crítico. Así que igual en el 2011 el mercado es muy diferente a este 2009 que termina.

Y ahora sí, sin más dilación les dejo de robar tiempo. Mi particular top 10:

Marketing&Utopía: F. de Felipe, con su peculiar estilo síntesis del de Brugera, Groening y el europeo, creó una distopía futurista donde el humor negro y cruel español se junta con la CF y el idealismo estadounidense, de forma que nos queda un cómic de relatos cortos macabro, espeluznante y fabuloso que recuerda a las historias para la tv de Hitchcock. Un cómic buenísimo que ha ganado con los años y que, con su calidad, denuncia que la obra de este autor no esté disponible para el gran público. Si es por tema del autor me callo, pero si no, no entiendo a las editoriales.

Manhaunter: el sorpresón del año. Me lo pillé porque lo recomendaba Moore y descubrí un cómic buenísimo. Es una historia de espías, asesinos y sociedades secretas magnífica y muy bien construida a través de sorpresas y giros argumentales por Goodwin, y muy bien dibujada por un primerizo Simonson con muchas ganas de gustar. Un cómic muy setentero pero, tan bueno, que eso no le ha impedido convertirse en un clásico. Por eso no extraña que sea uno de los mejores 15 comics del UDC que ha sacado en todo este lustro PDA.

JSA: este último año de esta cole me ha parecido estupendo pese a que empieza a flaquear. Empezó muy bien utilizando la mitología kirbiana y apoyándose en el limitado pero atractivo y majestuoso dibujo de Eaglesham, de forma que la parte central de este año era el cómic que más esperaba cada mes. La cosa pintaba muy bien por el aire misterioso y por la sensación de que cualquier cosa podía ocurrir, al final el asunto, como es Johns el guionista, se ha vuelto bastante terrenal y convencional, ya que de nuevo tenemos la división de un grupo superheroico en torno al tema de siempre (hasta que punto debe llegar el intervencionismo superheroico en la humanidad), entre conservadores (que son los más drásticos e intervencionistas paradójicamente) y los liberales. Algo ya muy visto, al menos desde "Tormenta Galáctica". Hay que esperar a ver en que acaba todo, pero lo que esta claro es que Johns no es Gaiman, Moore o Morrison. A pesar de eso, que nos quiten lo bailao.

Percevan: bd juvenil de la buena. Unos comics de Fantasía sin brillantez pero muy bien hechos, sobre todo el dibujo, de forma que pueden disfrutarse con cualquier edad y han aguantado el paso del tiempo (los 1º tienen ya más de 20 años). La cole es bastante irregular, de forma que hay algunos episodios mediocres, pero a cambio tenemos "El arenal del Jerada" y "El arcantano negro", 2 historias muy interesantes y atractivas gracias a que el trabajo y la imaginería de Luguy compensan tanto sus limitaciones como las del guionista.

Wildcats 3.0: el vol.III de este supergrupo es un cómic superheroico estupendo a pesar de que es un coitus interruptus en toda regla. No porque termine mal, sino porque fue cancelada. Este hecho es fácil explicarlo. El asunto es que Casey planteó un cómic de CF y con cierta profundidad intelectual, en vez de seguir la línea pop de los superhéroes Image. El público quería guiones que fuesen simplemente un vehículo de lucimiento para los dibujantes y que estuviesen plagados de acción y de atractivas muñecas, así que fue un claro caso de dar pañuelo a quien no tiene mocos. Una pena, porque el cómic iba por muy bien camino amparado por el sólido y muy cuidado dibujo de Nguyen y la ambición de Casey por hacer algo diferente y desarrollar las posibilidades del género que las editoriales mantienen deliberadamente, como demuestra su cancelación, latentes. Pocas veces una cancelación ha sido tan trágica.

Jack, Sota de Corazones: una POM del gran Mantlo muy bien apoyada por Freeman. Una miniserie interesantísima con todos los elementos, melodrama, acción, aventura y mitología, que hacen de Mantlo un gran escritor de comic pop y uno de los mejores guionistas de la Marvel de los 80. Una historia estupenda, increíble y singular que denuncia el olvido injustísimo que esta sufriendo esta gran y desafortunada persona y guionista.

ClanDestine: seguramente la magna opus de Davis. Entretenimiento puro muy bien realizado. Un cómic sin pretensiones y convencional, pero con un excelente dibujo y un aire de sitcom familiar que son los que hacen que este sobresalga en el oceáno repititivo y convencional del mainstream.

JLA: Tierra 2: este es el gran cómic de Morrison y Quitely, que no os vendan la moto. Aquí, a través de la inversión de términos, ambos autores preludian su ASS. Nada mejor para apreciar a los superhéroes de siempre que experimentar su lado oscuro. Un magnífico cómic que va de menos a más con un guión de Morrison muy preciso y un trabajo de Quitely que hace pequeñitos a los demás dibujantes del mainstream en activo exceptuando a Davis.

Hyperion contra Nighthawk: un cómic modesto pero singular y por ello sobresaliente. Es original porque es un cómic mainstream comprometido. Esta vez Marvel no nos habla a través de una ingenua parábola de uno de los grandes problemas de la humanidad moderna. Tampoco nos simplifica un complejo problema humano. Por eso nos hace ver lo que valen los superhéroes de verdad ante un problema de verdad. Un cómic agrio y honrado muy bien contado y con un notable Gulacy que se sale en las escenas de acción.

Conan el Bárbaro: el de Owsley/Priest. Esa es la mejor etapa de esta cole, no escuchéis a esos vejestorios trasnochados que se empeñan en destacar la saga de Belit de Thomas&Buscema. No esta mal, pero ha envejecido y sigue teniendo el handicap de un J. Buscema que no estaba por la labor de currarse un mundo de Fantasía. En cambio, la larga etapa de Owsley es notable gracias a la perfecta integración de este guionista con sus dibujantes y por la ambición y originalidad que le puso a sus guiones. Por eso, más de 20 años después, esta etapa de Conan sigue siendo moderna y contando unas historias entretenidas y emocionantes y unos dibujos estupendos, especialmente bonitos cuando Semeiks se pone a dibujar.

En fin, pues esto ya esta. Aquí esta la 5º esencia de este 4º año.

Vaya, ahora que me doy cuenta de que, como siempre, apenas hay novedades de este año.

Humano se nace, Quino, Lumen 1991

Relecturas LXXV: El Rey Mono, S. Pisu y M. Manara, Norma 1993

Terminé la enésima lectura de este estupendo cómic con una sensación nueva, la de que me estaba perdiendo algo. Antes, para mi, este cómic era una versión del mito del Rey Mono en clave moderna, occidental y ecléctica. Pero en esta última lectura he vislumbrado un fondo contracultural sesentayochista y algún tipo de moraleja, así que inmediatamente me he puesto con internet, a ver si conseguía que lo que había entrevisto ganase en nitidez, y he descubierto que este cómic es una especie de burla o sátira de Mao. De modo que he disfrutado sin enterarme, lo que me ha desarmado totalmente y así, el post que tenía en mi mente ha sido abortado.

Este cómic es de 1976 y por lo visto sale de los círculos de jóvenes intelectocomunistas italianos de aquella época. Unos jóvenes, me imagino, desencantados y desorientados porque el aura romántica y utópica del comunismo había sido asesinada por el soso, tontorrón y funcionarial Brézhnev y el megalómano Mao. Gracias a ellos, el comunismo no iba a prosperar en Occidente porque nadie allí iba a pasar por el aro después de vislumbrar lo que era el comunismo. Así que, por lo visto, tocaba bajar los humos de aquellos grandes genios, parodiarlos y reírse de ellos. Vamos, eso me parece a mi, porque, desde luego, este subtexto del cómic me es bastante ignoto, por lo que, lo que creo ver es probable que sea erróneo. Y es que lo único malo que tiene "El Rey Mono" es que hoy es un cómic ininteligible si no se le contextualiza. Es plenamente disfrutable, pero desde luego las intenciones de su creadores ya no llegan al público joven. Seguramente un fallo suyo, pero nimio pues crearon un cómic que, a pesar de haber perdido parte de su carga, sigue siendo una notable lectura, pues ha pasado de ser un cómic político que no dejaba ver el bosque a ser un cómic sin pretensiones, entretenido, gamberro y divertido.

Si uno no se percata de esto de Mao y tal, "El Rey Mono" simplemente es una versión más de ese mito chino, aunque no estoy seguro de si se le puede llamar mito. Del mismo modo que el comienzo de "Bola de dragón" es una versión imaginativa, pero fiel, de este mito, lo es este cómic.

Me ha sorprendido que las aventuras del Rey Mono (una cosa que me gustaría saber, porque afecta mucho a le lectura, es si los antiguos chinos creían que ellos y los monos estaban relacionados) sean tan universales, pues los chinos, los extremorientales en general, siempre han sido gente cerrada y ombliguista, pero demuestra, al igual que el comucapitalismo chino, que todos somos permeables.

El Rey Mono es un simio de piedra que amenza el Cielo, es decir, a los dioses igual que el hurrita Ullikummi y sus versiones griegas Tifón y los gigantes (estos últimos eran las personificaciones de las montañas, del mismo modo que Ullikummi era hijo de una montaña). Pero antes de esto, descubre la mortalidad ("si eso es lo que te sucede, quiere decir que la religión llegó a tu corazón. Tu quieres ser inmortal!") por lo que inicia un viaje (y sus aventuras) para hacerse con la inmortalidad, como Gilgamesh (también rey, que indica el aspecto sacral y sobresaliente del cargo en el sentido de que son los únicos que parecen tener un problema con la mortalidad, sin duda, por su ambigüedad, pues ni son dioses ni simples humanos, lo que evoca aquella primigenia otra vida a la que sólo podían acceder unos pocos privilegiados como sugiere la historia de Egipto), el 1º héroe conocido. Como aquel, fue en busca de un sabio del que aprender el secreto de la inmortalidad, pero como estamos en Oriente, la cosa no se consigue tomando algo sino convirtiéndose en sabio. Este proceso le humaniza (lo cual recuerda a Enkidu el amigo de Gilgamesh, que también era peludo y representaba a la Naturaleza Salvaje, cuya muerte, al igual que el amigo del Rey Mono -en el mito, no en el cómic- suscitó en su amigo el deseo de la inmortalidad) y le dota de poderes mágicos, entre los cuales destaca el polimorfismo, lo que recuerda a Proteo, a los mitos celtas y a los chamanes, de modo que logra la inmortalidad. Tras esto regresa a su reino pero como le sabe a poco, se hace con un arsenal mágico de destrucción masiva y acaba yendo al Reino de los Muertos a tachar su nombre y el de los suyos de sus libros. Un descenso con vuelta a los infiernos que recuerda a miríada de héroes desde los paganos Hércules y Orfeo hasta el cristianísimo Jesús. Naturalmente esto suscitó el mosqueo del dios supremo (es que la capacidad de mosquearse de estos seres es mucha), ya que el Rey Mono estaba subvirtiendo el orden, era demasiado poderoso y estaba interfiriendo en lo divino. Por eso, el Emperador de Jade, más astuto que sus contrapartidas occidentales, decide integrarlo en la jerarquía divina con un cargo. El plan acaba fallando porque la soberbia del Rey Mono acaba chocando con el hecho de que su cargo es meramente simbólico, así que vuelta a empezar. Lo que lleva al emperador a optar por la solución definitiva, así que envía a los generales del Cielo contra el Rey Mono. Estos son derrotados en un combate de polimorfismo, que recuerda lejanamente a la lucha entre Cerridwen y Gwion (la capacidad de transformarse en el universo intelectual celta se relaciona con la sabiduría y la inmortalidad) o los combates de ingenio en forma de poesías y adivinanzas de celtas y germanos, de forma que recibe un cargo con sustancia que, cual político español, aprovecha en su provecho, simbolizado en el cómic por la desaparición de su paredros femenino o conciencia. De modo que, entre otras cosas, come los Duraznos de la Inmortalidad (las manzanas de las Hespérides, las manzanas doradas germánicas o las manzanas del Edén) y un elexir (que recuerda al relato de Gwion) destinados, evidentemente, a los dioses y no a él. Gracias a estos abusos vuelve a suscitar la cólera del Cielo y esta vez ha de enfrentarse a Erh Lang, el pj más genial del cómic (un hombre obeso con pezuñas de cerdo, una máscara antigás, un caso de la Wehrmatch y un tanga negro). El cual le vence en otro combate de ingenio -lo mejor del cómic- lo que lleva a su ejecución. Pero esta no se hace efectiva porque el Rey Mono es ya indestructible. Ante esto, los dioses chinos invocan a Buda, quien vini vi vinci al Mono en el clásico affair de la palma de la mano, siendo este último sepultado bajo una montaña (un poco como Prometeo o Loki).

Hay quien dice que es fácil ver una biografía no autorizada y demoledora (en el cómic el Rey Mono, es un mono, un incordio follador y jodedor) de Mao. No tengo ni idea si eso es así (aunque el Rey Mono lleva el sombrero del ejército comunista chino y su rostro, más que simiesco, es sinoide), pero desde luego el cómic cuenta el viaje de un egoísta megalómano hacía la presidencia de los dioses (los poderosos deben dar preferencia a los más fuertes) que acaba muerto, como Beleforonte, como Ícaro, como todos los humanos que desafían a los dioses, y enterrado por una montaña que representa todos los sueños rotos por el fracaso del 68 (eso creo). Lo que no estoy seguro es el papel que juega EE.UU. en esto. Evidentemente en el cómic son veladamente, aunque machaconamente, ridiculizados (aparecen unos mandriles cuyos culos son la bandera estadounidense que acaban follados, quizás sodomizados, lógicamente, por el Rey Mono), pero no sé si, además de criticar (demagógicamente) al capitalismo, se critica el acercamiento chino a EE.UU. ocurrido en aquella década.

En fin, todo eso subtexto político, la verdad, es que da igual, porque la historia satisface perfectamente, y seguramente ha ganado por la especie de proceso de laización a la inversa que el Tiempo ha operado en él, gracias a la labor de Manara que aquí se muestra como un dibujante genial y soberbio. Lo cual hace pensar que desde hace años dibuja con un solo hemisferio cerebral, porque la tremenda imaginación y la ambición formal de "El Rey Mono" contrasta con su limitado y encasillado trabajo habitual. Manara no me parece ningún genio, pero desde luego el recuerdo (y legado) que va a dejar esta por debajo de su capacidad real, un poco como Ennis.

Como iba diciendo, el cómic es una versión libre del mito del Rey Mono, lo cual de por sí esta bien porque los mitos siempre son entretenidos y atemporales, pero es por Manara por lo que este cómic sobresale y se convierte en una obra singular dentro, tanto del cómic europeo como de la obra de este dibujante. Lo 1º que hay que decir es que ni es porno ni erótico aunque, naturalmente, hay muchas mujeres (orientales) desnudas y alguna escena de folleteo (y bestialismo) en sus páginas. Pero el argumento no esta al servicio de eso, Pisu y Manara quieren contar su parábola y ya esta, sólo que Manara es quien es.

La clave del cómic son sus dibujos, pues son los que lo hacen divertido, gamberro y original, en definitiva, que merezca la pena leerlo. El dibujo enriquece la simple y lineal historia de forma que singulariza esta versión y la hace atractiva porque es soberbio (bastante dependiente de la fotografía), muy trabajado y variado, un entintamiento sencillo pero perfecto y un despliegue de imaginería brutal, el sátiro italiano hace que la lectura del cómic sea explosiva y salvaje. Manara lo mezcla todo, desde el Barroco hasta la imgeniería más pop y comercial de aquellos años, de forma que el cómic es una bizarra mezcla de estilos y culturas que forman un todo armonioso gracias al estilo realista, lo que da más fuerza y contundencia a la fantasía del cómic, del autor. Un dibujo que además hace espectacular, atractivo, innagotable y sobre todo, y más importante, clásico a "El Rey Mono". Pero no sólo es la tremenda imaginación y eclecticismo, que preludia el posmodernismo, exhibido por Manara y su pericia técnica, sino también la experimentación formal (quizás no muy afortunada) con las viñetas y las páginas, que es lo que hace que el cómic este más cerca del estilo estadounidense que del europeo. En definitiva, el trabajo en b&n de Manara es buenísimo, de modo que lleva más lejos al guión de lo que este podía haber llegado solo, pues es su bizarría barroca y su modernidad la que creó viñetas soberbias y un cómic inolvidable y visualmente riquísimo.

De este modo, "El Rey Mono" es más que un cómic que versiona un mito, pues Manara hace que trascienda sus propias limitaciones convirtiéndolo en un cómic socarrón (por no decir cachondo pues, Manara simplifica el significado de esta palabra), hermoso y bizarro, en una entretenida lectura que destaca por un dibujo perfecto y una imaginería rica, singular y estimulante.

El Conan de J. Owsley parte III: Epílogo

Pues con este post cerramos la relectura de la etapa de J. Owsley/C. Priest en Conan el Bárbaro, la, para mi, mejor etapa de la colección. Me gusta más que lo mejor de la etapa Thomas-Buscema y, aunque, no llega a las cotas de calidad de los momentos cumbre de la etapa Thomas-BWS, en conjunto creo que es más sólida y regular que aquella.

La última parte de la etapa de Owsley se extiende desde el nº 201 hasta el 213 (ambos inclusive) de la numeración estadounidense de la cole "Conan el bárbaro", que son los 139-151 forum publicados entre 1988 y 1989. En esta etapa, quizás porque Owsley se desfondó tras más de 2 años al frente de la cole, no hay saga. Owsley regresa al esquema de héroe errabundo que estableció Thomas como el canónico para la serie. Pero antes de escribiros sobre esta con algo de detalle, es obligatorio hablar de los nº 137 y 138 forum.

Estos nº contienen la historia "La venganza del bárbaro" escrita por Thomas y dibujada por Buscema-Alcala con un precioso (se intuye más que constata) color, de acaruela seguramente, de M. Severin (seguramente el colorista más importante de EE.UU.). Estos nº no pertenecen a la serie, sino a "La Espada Salvaje de Conan", pero a pesar de eso se publicó en "Conan el bárbaro" porque es un especial a color.

La historia es muy clásica y mezcla a los piratas con la típica historia de Espada y Brujería de horrores de tiempos remotos. El guión de Thomas es entretenido porque su habitual prosa densa y barroca esta mejor integrada en el cómic aunque, en mi opinión, el melodrama esta de más, pero lo que hace interesante a esta historia es el apartado gráfico. No lo puedo enjuiciar con precisión porque la reproducción no es muy buena -supongo que por los materiales- de forma que el dibujo muchas veces pierde nitidez y los colores se empastan, pero el trabajo de Buscema-Alcala esta bastante bien. Buscema se implicó mucho, como demuestra que no escatimó en fondos, y Alcala entiende mucho mejor el lápiz del anterior que Chan, de modo que no enmascara el dibujo, sino que lo realza y le añade solidez, por lo que el resultado es fantástico, sencillo y sobrio pero elegante y atractivo. A ello se sumó el color de Severin, que parece que fue fabuloso. El color es sobrio y esta aplicado con sencillez pero el resultado es maravilloso, la luminosidad de los momentos diurnos es muy realista y evocadora y la oscuridad de los momentos nocturnos es ominosa e inquietante, así que es uno de los comics más reales, estoy tentado de decir palpables, y por ello absorbentes, que yo he leído en mi vida. De esta forma, una historia nada original y fresca pero con oficio, es elevada a las nubes por J. Buscema, Alcala y Severin. Si estuviese impecablemente impresa, sería una auténtica maravilla visual.


Y ahora sí, la 3º parte del trabajo de Owsley. Como escribía, esta última parte esta compuesta por historias cortas autónomas. No obstante se las puede agrupar. Así que este tramo se puede dividir en 2 partes. La 1º la forman los nº 201-209 y la 2º, lógicamente, los que restan. El leitmotiv de la 1º parte es cerrar los flecos sueltos dejados por la anterior saga, la de El Devorador.

Una cosa de la que no he hablado mucho en los post dedicados a la etapa de Owsley, es que este guionista creó una serie de sólidos secundarios, cosa casi inaudita en la cole. Aunque no son muy originales, Owsley los hizo verosímiles y simpáticos de modo que, en una cole protagonizada por un solitario (condición exacerbada por Priest), acabaron suponiendo un problema. Al principio estaban para mediar entre el público y un Conan taciturno y distante, pero como la cole debía seguir progresando se habían convertido en un problema que había que resolver. Así que estos nº estan dedicados a despachar la relación entre los secundarios y Conan para que este volviese a ser un pj solitario y errabundo, tal y como lo encontró Priest en su momento.

De este modo Simeón, un excéntrico, extravagante y muy simpático pj (muy bien plasmado por J. Buscema) que aportaba el alivio cómico a una historia (la de El Devorador) cada más sombría, Keiv, heredado de la saga de Tetra, un superficial y egoísta pícaro que quedaba muy bien en contraste con Simeón y Conan, Shapur, un maduro soldado admirador de Conan, Thulsa Doom (cuyo diseño me parece la bomba, un esqueleto parlante), un nigromante enemigo de Kull rescatado de Arallu (el infierno) por Conan, una Red Sonja desacralizada por Priest que recuerda a Conan su pasado como ladrón aventurero, Anneka, hija de Shapur, interés romántico de Conan que intenta hacer seria la relación que tiene con el cimmerio (uno de los mejores ejemplos de lo bien que Priest caracterizaba a los pjs) y Heku, un esclavo samurái de Conan que le admira-odia, son despachados uno por uno en nº entretenidos que no han envejecido nada, ni siquiera visualmente. Entre estos destacan los 4 últimos, "La trilogía de Heku" y "El caballo negro". La 1º historia se extiende a través de los nº 206, 207 y 208 estadounidenses (145-6 forum) y para mi, sobre todo en su momento (1989), son una de las mejores historias de la serie. Priest la tiñó de orientalismo, Bushido y Zen (invisible, invulnerable e invencible), de forma que es una historia que se sale del scope de la serie, y la contó con sencillez y linealidad, siendo el resultado una historia original, con una profundidad desacotumbrada tanto en Marvel como en la serie y muy interesante porque Owsley nos cuenta como ve él a Conan. Priest lo compara con un samurái poniendo de relieve que él es también un guerrero sujeto a un código de honor que vive para el combate, con una voluntad de hierro y sin miedo a la muerte, por eso mismo, alguien muy distinto de un humano normal, lo cual le aleja de ellos. El conflicto de la historia es que Heku, el exclavo de Conan, es el hijo del jefe de un clan oriental que recuerda a la horda mongola, así que este ha de recuperar su libertad para poder dirigirlo. Lo interesante de esto es que Heku ha acabado siendo exclavo de Conan porque este debía ser su maestro, de forma que se ve obligado a matarlo por eso de que el aprendiz ha de demostrar que ha superado al maestro. En fin, una buena y singular historia que esta, afortundamente para nosotros los lectores, bastante bien plasmada por Semeiks-Isherwood de forma que lo concebido por Owsley no queda en agua de borrajas, pues plasmaron la magnitud, el misterio oriental, el aire iniciático y la epicidad de la historia.

La otra historia es más modesta y muy del estilo de la cole, pero original y fresca. En ella Owsley compara a Conan con la montura sobrenatural de El Devorador de Almas por ese carácter primigenio y natural, de noble bestia, que Howard le dio a su creación. Con este nº Priest termina de despojar a Conan de todo lo que le añadió de forma que nos puso, como muy bien puso en boca del bárbaro, en "un nuevo comienzo".

Los 4 nº que restan son bastante buenos y originales y parecen estar lejanamente inspirados en la etapa Thomas-BWS. En ellos aún vemos al último gran secundario de Owsley, Sevante, una muchacha de harén, presentada en "La trilogía de Heku", que quiere salir de ahí para ver mundo y encuentra en Conan el vehículo para hacerlo con seguridad, de forma que ambos juegan al gato y al ratón en "Tormenta" (210/148). Uno de los mejores nº de toda la cole gracias a la cómica dialéctica entre Conan y Sevante (la particular antagonista de este nº) y un aspecto visual muy atractivo. Esta historia nos lleva a la última de Owsley, que también es una trilogía, "La Casa estrecha" (eufemismo para ataúd). Para ella Owsley, de nuevo, encuentra inspiración en Oriente, esta vez en la secta de los Asesinos. De modo que en esta historia Conan se enfrenta a una secta de tales que le acaban sometiendo a una ordalía (en cierto sentido, nos dice Priest, no hay mejor asesino que Conan). Es una historia que va de menos a más, de forma que el último nº, "La prueba" (213/151), engrosa la lista de los mejores de la cole y supone un magnífico, aunque agrio por eso mismo, punto y final a la grandísima etapa de Owsley como guionista de "Conan el bárbaro".

Que lo dejase aquí creo que no fue algo planeado, pues había sembrado de tramas secundarias esta última parte (El Devorador de Almas como humano, Heku y alguna cosilla más) y el última nº termina con un asesino diciendo "Claro que lo volveremos a ver". Pero luego, nada. Estos detalles me hacen pensar que Owsley tenía planes para seguir pero, por lo que fuese, dejó la cole. Al menos alguna de estas tramas las recogió en "Conan rey", cole que, como esta, hizo reverdecer.

Así pues, para mi Owsley es el mejor guionista que tuvo la cole. Me parece mejor que Thomas, ya que la mejor etapa de este es en la que estaba emparejado con BWS y era este último la verdadera cabeza creativa. La fuerza y la calidad de los 1º nº de la cole se deben en gran medida a la tremenda ambición, a la energía juvenil y a los sueños de un joven BWS. Por eso Priest es el mejor guionista. Su estilo es ágil y complejo y se relaciona bien con el dibujo, como argumentista es original, con él la Era Hibórea es más sólida y verosímil, sus historias son entretenidas, tienen sorpresas y muchos momentos emocionantes y creó a toda una plétora de buenos secundarios que mejoraron las historias e incluso generaron algunas (tal era la riqueza con que fueron creados), de modo que nadie puede superarlo. El único pero que se le puede poner es que su Conan esta demasiado imbuido por los 80, por esos héroes amargados, taciturnos y serios, de forma que en su propia cole pasó a un segundo plano, una sombra que sólo salía en los momentos de acción. Con ello perdió su humor (poco pero tenía) y, sobre todo, su carácter amoral y pícaro, aunque es cierto que con la marcha de Thomas, Conan lo fue perdiendo. Owsley, al meter en embolaos de alto alcance a Conan, hizo desaparecer los puntos oscuros que hacían que este no fuese el típico héroe estadounidense, desaparecieron los prostíbulos y Conan dejó de lado su egoísmo y su oficio de ladrón-saqueador de tumbas. Eso, aunque no lo convirtió en el típico héroe intachable, lo desnaturalizó privándole de una cualidad que lo hacía, a la par, singular y atractivo. Pero eso no importa porque Priest nos dejó a cambio casi 3 años de comics como mínimo entretenidos y originales y la etapa de calidad más larga.

No voy a hablar mucho de Semeiks porque esto ya esta siendo demasiado largo. Me lo guardo para el próximo post, pues todavía hará un puñado de nº más. Aunque hay que dejar claro, que plasmó muy bien los guiones de Priest, de modo que es también corresponsable del gran momento que vivió esta cole en estos nº. Pero hablar de él ahora es insoslayable pues estamos ante sus mejores nº, aunque no todo el mérito es suyo, ya que estos son atractivos no sólo por él, sino también por sus entintadores, Isherwood y Alcala, y por el colorista Roussos.

"La trilogía de Heku" es la magna opus de Semeiks-Isherwood. En él se unen la imaginería y los paisajes de aire europeo (Moebius) y las atractivas composiciones de Semeiks, con el sabio y eficiente entintado de Isherwood y con el sencillo y sobrio pero espectacular color de Roussos. El resultado son unos increíbles nº, a la altura de los mejores de J. Buscema o BWS, donde lo visual brilla y plasma tan bien los guiones que el resultado final es fabuloso. También el aspecto gráfico de "La tormenta" y "La Casa Estrecha" estan entre los mejores. Esta vez Semeiks es auxiliado por Alcala, cuyo entintamiento da un aire más buscemiano a los dibujos de este, y de nuevo por Roussos en el color. La secuencia de la estampida (que recuerda al enfrentamiento contra los dragones del principio de "Clavos rojos") de "La tormenta" y la secuencia del viaje por el desierto de "La Casa Estrecha" son espectaculares. Sobre todo esta última porque el eficiente dibujo y maestría compositora de Semeiks, entintado con elegancia por Alcala, dejan, con sabiduría e inteligencia, espacio para que el color se luzca, ya que este es el que mejor puede transmitir la vastedad, la luminosidad y la hostilidad del desierto. Impresionante.

Así pues, cerramos la etapa Owsley con disgusto pues es la última gran etapa de la cole. Aún le restan a esta unos 5 años más de vida, pero ya nunca superará la mediocridad y durante un tiempo incluso volverá a ser muy floja. Como es habitual en esta serie, a un ciclo de excelencia le sigue otro de decadencia aún más largo, la lástima es que la serie fue cerrada de modo que ya no hubo más ciclos excelentes. Pero bueno, de eso ya escribiremos en un futuro. Ahora quedémonos con el estupendo final de su etapa. Con unos comics que no han envejecido nada, llenos de originalidad, acción y sensación de maravilla.

Aproximación informal a Alita ángel de combate/Gunnm parte II: Infancia y adolescencia

Pues nada, continuo con el análisis informal de este manga antes de que empecemos a olvidarnos de lo anterior. Ya comenté que no sabía muy bien como estructurar el tema. Quizás lo suyo habría sido escribirlo todo, luego reescribirlo para integrarlo y después dividirlo en temas pero, como esto va a ser un análisis informal (aunque se va intentar ser exhaustivo y riguroso), voy a desarrollar el tema según arcos argumentales. El fallo de este método es que, seguramente, según se vaya avanzando, habrá que volver atrás a matizar o reelaborar y que algunos temas, en vez de hablarse en un solo apartado, esten desarrollados a lo largo de varios, lo que dificultará un poco la lectura y posterior consulta. Pero bueno. Esto es un blog.
Antes de empezar con la aproximación informal a los 2 1º arcos argumentales, ya que se me olvidó hacer en la intro, voy a hablar un poco del arte de Y. Kishiro, aunque igual esta bien porque si no hubiera quedado demasiado larga.
El dibujo de Y. Kishiro es manga, entendiendo esto como que esta dentro del estilo que todos reconocemos como propio del cómic japonés, es decir, ojos como platos, figuras esbeltas, un canon irreal consistente en piernas largas y un tronco pequeño, peinados singulares y cierta caricaturización. Dentro de este estilo, Y. Kishiro es bastante particular. Quizás por su interés por el Cómic Occidental, su estilo tira más hacía el realismo, una deriva que a medida que avanza el cómic se exacerba. Es fácil verlo, al principio tenemos pjs como Ido, que es una síntesis del cómic juvenil francés y el manga, pero a partir, más o menos, de la mitad, los diseños de los nuevos pjs son más realistas, menos caricaturescos. De modo que a lo largo de la obra el dibujo evoluciona desde un estilo suelto y suave hacía uno agresivo y geométrico. La certeza (es pura especulación pero me juego el cuello) de que no domina bien la anatomía empuja a Y. Kishiro, como a muchos dibujantes, a geometrizar la figura humana y a sustituir la curva por el ángulo. De este modo, las tramas, la línea recta, la angulosidad y el geometrismo se van afirmando hasta ser lo característico de los comics más recientes. Así pues, Y. Kishiro es tan solo un dibujante notable al ser torpe con la figura humana y no muy expresivo. Otro fallo es que usa en exceso clichés y convencionalismos (pero bueno, eso es consustancial a una forma de entretenimiento industrial y pop). De todas formas, su dibujo es bueno (ser un genio de la anatomía es muy difícil y dibujar correctamente la anatomía lleva mucho tiempo y un mangaka no lo tiene) y atractivo porque Y. Kishiro tiene un área en la que es un genio. Este área se puede definir a grosso modo como todo lo relativo a la CF. Todo lo que es CF, ciborgs, tecnología futurista, etc. Y. Kishiro lo borda. En esta faceta es espléndido y espectacular. Por otro lado, es un gran diseñador de pjs (algo en que los mangakas son sobresalientes, no como los dibujantes estadounidenses) y un gran narrador. Como todo mangaka es bastante cinemático a pesar de que apenas utilizan las viñetas-cinemascope (deberían aprender los dibujantes estadounidenses de superhéroes), lo que encaja muy bien con la historia, pues esta está llena de acción y dinamismo. Así, en definitiva, aunque Y. Kishiro es un dibujante un poco torpe y limitado en los detalles o en las partes, en el todo es sobresaliente y espectacular.

Sería oportuno contextualizar Gunnm, pero es imposible porque por aquí no sabemos mucho sobre la cotidianidad japonesa. Sólo puedo decir que Gunnm se publicó en 1991 con el título "Hyper Future Vision Gunnm" poco tiempo después de empezar la era Hirei. Y ya, porque la wiki, en los idiomas que conozco, no dice más. En cuanto al manga, este estaba terminando su última edad dorada (la que alumbró "Akira" y "Bola de Dragón"). Por otro lado, puede que sea importante mencionar a la peli "Tetsuo" (1989) de S. Tsukamoto (inolvidable por lo alucinante que es). Internacionalmente lo más relevante de ese año fue la desintegración de la URSS y la 1º Guerra del Golfo. En cuanto al Cyberpunk, este cumplía una década y estaba en pleno apogeo (es la época de "Robocop" y los jdr cyberpunk).

Detengámonos un momento a hablar sobre este subgénero de la CF porque Gunnm, a pesar de pertenecer al Cyberpunk, es bastante diferente ya que no incide en los ordenadores, en el ciberespacio y en la realidad virtual (esos temas los empezó a tocar 10 años después). El acento lo pone en la cibernética, en los implantes. Otra diferencia importante es que el Cyberpunk suele estar protagonizado por antihéroes y contar historias modernas, pero Gunnm esta protagonizada por un héroe clásico, aunque femenino (Japón es un país machista), y la historia sigue el esquema del viaje del héroe. Por lo demás, es puro Cyberpunk, los personajes son marginados y la historia se situa en un futuro distópico, no postindustrial sino postapocalíptico, donde la vida humana no tiene valor, por lo que el ser humano ha de mejorarse si quiere sobrevivir.

INFANCIA:

Gunnm se empezó a publicar en España, como sabemos, en 1993 con el título "Alita, ángel de combate", que es traducción del estadounidense. El título de la 1º historia/capítulo/arco argumental es "Ángel oxidado" y se puede ver, sin mucho esfuerzo, como la infancia de Gally/Alita. La historia es lineal y no tiene mucha ciencia: comienza (con un principio visualmente magnífico) con Ido, un ciberdoctor del Patio de los Desperdicios, encontrando, mientras busca en el vertedero de Salem basura cinernética recicable, la cabeza de Alita. Tras comprobar que sigue funcionando a pesar de tener entre 200 y 300 años, decide llevársela a casa y reconstruirla de modo que descubrimos que esta amnésica. Paralelamente a estos acontecimientos, un monstruoso ciborg asesino en serie, Makaku (macaco?), esta actuando en el Patio de los Desperdicios. Finalmente, ambos se enfrentan en una lucha agónica, pues Alita se ha hecho cazarrecompensas, siendo el triunfo para esta última pero a un alto precio, pues queda tan destrozada físicamente como al principio, de forma que este arco argumental es circular.

Un argumento, pues, ni original ni complejo. La típica historia donde el héroe se enfrenta al monstruo para defender a la sociedad (aunque aquí no se hace sólo por motivos altruistas), sufre mucho y triunfa. Lo importante esta, entonces, en los detalles, los cuales dibujan esta historia como el (re)nacimiento y el crecimiento de Alita, el cual acaba provocando un conflicto con Ido. Un conflicto claramente paternofilial, pues estalla cuando Alita, el hijo, decide un futuro distinto para sí misma al que Ido, el padre, había elegido. Ido quiere mantener a Alita a salvo de la mísera y cruel vida del Patio de los Desperdicios, pero Alita no quiere eso y, acaba triunfando, porque Ido asume la verdad, que ella no es su criatura (Gally, como bautiza Ido en el original a Alita, es el nombre de su mascota muerta), que no puede imponerle una identidad, que a las personas no se les puede definir desde afuera. Idea revolucionaria, no para nosotros, pero sí para los japos pues, como saben, allí aún la libertad de elección no es visto universalmente como algo lógico y natural, muchos padres siguen imponiendo una profesión o una meta a sus hijos o concertándoles matrimonios.

Alita escoge ser un guerrero porque es la forma que tiene, tanto de madurar como de conectar con su pasado olvidado, sólo dando hostias es cuando recuerda algo de su pasado, el Panzer Kust, el arte marcial ciborg (y 1º pista de la germanofilia de Y. Kishiro), es decir, de crearse una identidad (recordemos que es amnésica, algo no fortuito, pues la identidad reside en la memoria). Una clara metáfora, muy común en el manga, de que la vida es una lucha constante, solo que, como estamos hablando de japoneses, la victoria es lo importante, es lo que la hace a uno progresar. Recordemos que Japón es una sociedad muy competitiva. De las derrotas, allí, no se aprende (sin duda, por eso Japón ha decidido disimular su derrota en la 2ºGM y los japoneses tienen un temor patológico al fracaso). También es la expresión de la idea de que, luchando contra los demás y venciendo, es como uno se va definiendo a sí mismo

Analicemos, pues, un poco el combate en Gunnm. Luchar permite a Alita rememorar, encontrar una identidad y ser independiente. No sólo le permite independencia económica y vital (un cazarrecompensas no tiene jefe), sino también le proporciona libertad (la capacidad de luchar y la libertad son una misma cosa en las sociedades guerreras) y un propósito, lo que nos conduce al binomio japonés o la unión íntima para la cultura japonesa entre la identidad y el propósito, es decir, somos lo que hacemos (de ahí las decenas de mangas sobre profesiones o el tópico leitmotiv de sus pjs: buscar ser el mejor en algo).

Otro aspecto a tener en cuenta del combate en Gunnm es que lleva a Alita a cambiar de cuerpo. 1º era una cabeza (bebé), luego tenía un cuerpo frágil (niño), inadecuado para la vida que ha elegido, por lo que vuelve a cambiar de cuerpo (sin duda metáfora de los cambios que trae la adolescencia). Su nuevo cuerpo es un modelo conocido como furioso/berserker/salvaje. Un modelo bélico que tiene el peligro de descontrolarse (un guiño a la vieja metáfora del caballo y la brida?). También hay que ver metamorfosis y evolución como, por ejemplo, en los célebres pokemon, como alternativas explicativas a la maduración, y la concepción del cuerpo como una herramienta limitada y, por eso, susceptible de cambiarse. De esta forma, se disocia el cuerpo de la mente (recordemos que Alita sólo tiene de humano, de carne, su cerebro). Es decir, nuestra identidad no esta en nuestro cuerpo, esta en la mente (una de las tesis de la obra), por eso podemos cambiarlo. También esto implica que la cibérnetica es una forma de evolucionar, de transcender, de ir más allá de los límites humanos, de la carne. También es una visión del cuerpo como algo especializado, que mediatiza. Los cuerpos ciborg que dibuja Y. Kishiro siempre estan especializados. Sus formas y capacidades estan orientados al uso o profesión del ciborg. El cuerpo no es polivalente. Por último, hay que quedarse con que la visión de Gunnm del mundo es la de un lugar despiadado porque prima la ley del más fuerte (lo cual lleva a Alita a preguntarse si la vida es fea o bonita, un pecado o un don). Por eso Alita decide consagrarse a la lucha con fines egoístas. Es decir, no por hacer el Bien (y recordemos que estamos en un mundo distópico) o conseguir alguna meta, sino para satisfacer tanto la necesidad de un proprósito vital como la de recuperar su identidad, aspecto importante que no hay que olvidar.

El antagonista de esta historia no es un pj genérico o sin profundidad. Makaku es similar a Alita, pues es otra criatura que nace gracias a un doctor, sólo que, como este le convierte en un monstruo y se desocupó de él (aunque Ido tampoco es un santo ya que matar le place), se ha convertido en un peligro. De ahí el contraste entre la personalidad vengativa y el cuerpo gigantesco de Makaku y la personalidad heroica y el cuerpo pequeño y esbelto, humano en definitiva (aunque poderoso), de Alita. De esta forma, como es habitual en este tipo de relatos, el enfrentamiento entrambos es una parabóla dialéctica entre diferentes caminos vitales. Por último, como hemos apuntado, la victoria supone madurar, por eso, al final de esta 1º historia, Alita pasa a la adolescencia, de modo que en esta parte se establecen las 2 principales constantes de Gunnm: viaje de autoconocimiento y victoria entendida como autosuperación y rito de paso o iniciación.

Detalles secundarios en esta 1º historia que no deben pasar desapercibidos son: el bar Kansas, localización importante en el 1º/3 de la serie, Desty Nova como el dr. Frankenstein que ha creado a Makaku, sólo que aquí es una sombra misteriosa por lo que nada indica que va a ser un pj crucial en Gunnm, y la introducción de Koyomi como el bebé a rescatar.

ADOLESCENCIA:

La 2º historia se titula "Lágrimas de ángel". Si la anterior, a pesar de su simpleza y linealidad era bastante buena, esta quizás es la más floja de toda la obra. Es simplemente la historia del 1º amor de Alita que, como todos los 1º amores, son muy importantes para autoconocernos y madurar (sólo tras él es cuando dejamos de ser niños). El pj que hace tilín a Alita es Hugo/Yugo que, a diferencia de ella, es un humano adolescente, quien descubre a Alita lo que supone ser un humano con cuerpo cibernético así como lo frágil que es un humano. Quizás la imposibilidad de sexo (Gunnm es un manga asexual) es algo que convenga analizar.

La historia es demasiado melodramática y topicona y por eso aburre a pesar del buen hacer de Y. Kishiro. Es en la única historia donde no aparece Desty Nova y donde el enfrentamiento marcial es secundario. El combate importante para el viaje de madurez de Alita es su relación con Hugo. El sueño que este tiene, ir a Salem, es lo que provoca el conflicto de esta historia, ya que Ido (como figura paternal que es) intenta hacer ver a Alita y a Hugo que es un sueño imposible (recordemos que Alita terminó la anterior historia queriendo luchar sin más precisiones, pero ahora su objetivo es ayudar a Hugo en su sueño y, naturalmente, acompañarle), pero no le hacen caso de forma que, por desgracia, la historia tiene un final trágico.

Como acabo de mencionar el enfrentamiento de este arco argumental es el del amor a otro contra el propósito-identidad ("aunque sea un sueño estúpido, aferrarme a él es mi única prueba de quién soy!" dice el objeto del amor de Alita). Para Y. Kishiro, si el propósito-identidad prima, el amor no puede sobrevivir o triunfar, ya que el 1º es la dedicación absoluta y entregada a la consecución de un anhelo, un deseo, una meta, de la que se espera un efecto transformador que traiga consigo la felicidad. De esta forma, el antagonista es Hugo, que creo que hay que verlo como otro Makaku porque son semejantes. Ambos, Hugo y él, son parias, son seres marginados del Patio de los Desperdicios, ambos son jóvenes y han tenido una vida muy dura, ambos han tenido una figura paternal negativa (Hugo a Vector, un empresario a servicio de Salem que ha alimentado los sueños del 1º para su propio beneficio) y ambos tienen el mismo sueño: dejar de ser un paria, expresado de diferente forma. Makaku, desde la amargura y el resintimiento, quiere convertirse en alguien poderoso y Hugo, desde la esperanza, quiere convertirse en un privilegiado ciudadano de Salem. Lo último que tienen en común es que su sueño no se cumple.

Lo crucial de esta parte es que Alita queda sola. La pérdida del 1º amor la hace consagrarse sólo a sí misma, a su proyecto. De este modo se hace patente lo apuntado en la anterior historia, la soledad del camino del héroe. La constante competición y la meta de la autoperfección exigen total libertad y dedicación, lo cual excluye a los demás, ya sea amigos, ya sea amantes, de forma que Alita se automargina volviéndose el típico héroe solitario y asocial y, en consecuencia, rompe con Ido y se marcha. Lo hace también porque ya es adulta, lo refleja que, a diferencia del anterior final, aquí Alita termina entera. Aunque, por otro lado, ambos finales los une el dolor, parece que para Y. Kishiro no se pregresa o madura sin él.

Y bueno, pues aquí terminamos. Como ya dije en el anterior post sobre este tema, por favor, opinad, sugeridad, añadid y matizad. No os guardéis nada.