Aproximación informal a Alita ángel de combate/Gunnm parte I

Alita ángel de combate, o como se la conoce hoy, Gunnm, es uno de los mangas más longevos de nuestro país. Comenzó a publicarse aquí en 1993, siendo uno de los 4 1º mangas escogidos por Planeta para introducir esa forma de Cómic en España. Desde entonces se viene publicando (16 años!), si bien es cierto que hubo un parón entre 1999 y 2003. La continuación de la edición al principio se hizo mensual pero, desde 2005 se publica anualmente dado que también se esta publicando en Japón. El resultado de esta dilatada edición con una cadencia actual tan lenta es que su lectura, la aprehensión de la historia que el autor nos esta narrando, se hace imposible, ya que es una historia continua con un montón de detalles. Por esta razón, tras hacer una relectura de todo lo publicado y haber hecho unos apuntes sobre el tema, me lanzó a escribir una serie de post donde sistematizar todo y así poder enterarme, por fin, de que va este estupendo manga.

La razón de aproximación informal es que hacer un análisis de la obra serio y riguroso esta más allá de mis posibilidades. 1º no se como acometerlo, 2º necesitaría mucho tiempo, y ya sabéis que ser bloguero, como el crimen, no compensa, y 3º me falta bibliografía, necesitaría saber más de Japón, del autor y del manga y para esto ni hay dinero, ni mucho libro. Por eso, aunque voy a intentar hacerlo lo mejor y más detalladamente posible, la serie de post que me lleve hacer esto no será más que un acercamiento amateur a Gunnm.

Como soy de la generación forum, llevo coleccionando Gunnm desde el principio. Desde 1993. Esto quiere decir que yo tengo la 1º edición de la 1º parte de este manga, lo que supone una traducción a partir de una inglesa no muy respetuosa con el original. Aunque se editó por 2º vez con una buena traducción (ambas ediciones son ahora imposibles de encontrar completas), no tengo esta nueva edición en parte porque los acontecimientos finales son distintos, ya que el autor, al retomar la obra, le quitó el final cerrado que hizo en 1º instancia. De esta forma, la edición que voy a seguir para la 1º parte de Gunnm es la 1º. Cosa que creo válida porque el cierre en falso creo que es interesante tenerlo presente para abordar la comprensión de este manga. En fin, todo este párrafo es para deciros que debido a esto Gally/Yoko para mi es Alita (así se la rebautizó en EE.UU.) por lo que casi siempre me referiré a ella con ese nombre al serme más cómodo y familiar. E igual puede que encontréis otros términos viejos, ya que no estoy seguro de saber cuales son todos los términos que la nueva y rigurosa traducción ha corregido.

Este 1º post es una especie de introducción. Así que para terminarlo voy a tratar de contextualizar el tema, de dar una base sobre la que desarrollar el resto de mi aproximación informal.

El autor. Juzgo que es importante porque, aunque el manga es algo industrial y pop, tengo la certeza de que Alita es una obra personal. Es decir, que el autor esta vertiendo sus neuras en este cómic. Por eso conviene saber algo de él. Es Yukito Kishiro y leyendo su obra y lo que dice en ella de él creo que hay que tener en cuenta 3 cosas, aunque evidentemente, como es una persona, hay muchas más variables importantes, en especial la visión particular del futuro que tiene un japonés, ya que este es una persona tradicional que vive en la sociedad más tecnificada, ergo más futurista, del planeta. Estas 3 cosas son que, a pesar de ser japonés, esto es, etnocentrista, es un autor bastante conocedor de Occidente, sobre todo de la cultura alemana (los términos del arte marcial cyborg son alemanes) y del cristianismo. También conoce el cómic occidental, como demuestra los homenajes o guiños a "Sláine" y a "Elektra lives again". Una 2º cosa es que parece que es un tipo depresivo o al menos molancólico o tristón y la última es que el parón antes mencionado, se produjo por una grave enfermedad provocada por el estrés que le sobrevino por no utilizar colaboradores, lo que puede indicar que es alguien muy introvertido y obsesivo (es japonés) y subraya la naturaleza personal e íntima de este manga. Estas cualidades explican el tono oscuro, agrio y melodramático (aparte de que esto último es una constante de la ficción japonesa proviniente de una educación represora) que preside la obra.

El título. Varía según el arco argumental pero siempre lleva la palabra Gunnm. Esta palabra no la eligió Yukito a boleo, tiene una intencionalidad. Significa sueño pero tiene la particularidad de que su pronunciación es parecida a la de la palabra inglesa gun, es decir, arma. De modo que Gunnm hay que interpretarlo como un título semejante a "¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?". Las armas sueñan? nos pregunta Kishiro, es decir, las máquinas y los asesinos son humanos? Por otro lado, los budistas dicen: "La vida es el sueño de la existencia". De este modo queda patente el tremendo desatino que hicieron los estadounidenes (y PDA) al decidir occidentalizar el manga para su comercialización ya que el título, Alita ángel de combate, no dice mucho ni tiene que ver con lo que el Kishiro quiere contar.

El género. Gunnm es CF, pero no en su vertiente predictiva, es decir, que intenta dilucidar como será el futuro, ni en su vertiente escapista, es decir, que simplemente intenta entretener con un relato futurista, sino que pretende ser una parábola de temas humanísticos, pues de lo que habla Gunnm, al menos principalmente, es sobre el humano. De todas formas eso no hace que el mundo CF de Alita sea flojo o secundario, ya que Kishiro es casi tan completo en este aspecto como Shirow. Por eso, el mundo de Alita esta muy pensado y es muy sólido y coherente. Sus principales temáticas CF son el cyberpunk (no en vano es una obra que nació en los 90), la CF postapocalíptica a lo Mad Max y la CF utópica. Junto a ello hay características muy japonesas como las artes marciales (hay torneos de artes marciales al más puro estilo "Dragon Ball") y ese continuo entrenamiento y autortura para llegar a la perfección en una actividad concreta.

El argumento. Pues, como es una obra larga y aún sin terminar, es difícil hacer una sinopsis ajustada. Mi propuesta es que Gunnm narra el viaje de un cyborg, Alita, hacia la trascendencia a través de aventuras con mucha acción y violencia por las cuales, Alita, crece y se autoconoce. Es una historia, como dice el autor, sobre la voluntad y la individualidad, algo muy importante pues Japón esta superpoblado (misma superficie que España, aunque menos terreno habitable, triple de población) y con una cultura que pone a la sociedad por encima del individuo (como deja claro que allí va 1º el apellido, es decir, el clan, y luego el nombre propio), la antítesis de Occidente vamos. Por otro lado, el autor ha reconocido que la historia se ha ido haciendo. Su idea original era contar la típica historia de maduración del héroe e intentar "dibujar lo que cambia continuamente y lo que nunca cambia mientras uno lucha para llevar adelante su vida", frase del autor que recuerda poderosamente a la máxima budista de "Todo fluye, nada permanece".

El lugar. Se desarrolla en la Tierra, en una Tierra postapocalíptica a unos cuantos siglos del presente. En una Tierra que, debido al apocalipsis, el desarrollo de la humanidad, como quien dice, se reseteó. La 1º parte se desarrolla íntegramente en la superficie y la 2º en el espacio, pero de esto último ya hablaré más tarde. El foco principal de la 1º parte es una ciudad dividida en 2, El Patio de los Desperdicios/Kuzutetsu y Salem (Tiphares en la vieja traducción). Aunque siempre se habla de ambas como entidades separadas, es revelador que no tenga un nombre común, en verdad son una única entidad ya que su relación es simbiótica. El Patio de los Desperdicios ha surgido a partir de Salem. Es el cinturón suburbano de toda ciudad moderna del 3º mundo. Es decir, es un denso y caótico anillo que rodea la ciudad (aunque en este caso esta está suspendida en el cielo) donde habitan los pobres y los marginados y donde no se puede sobrevivir sino se practica la delincuencia. El Patio de los Desperdicios se encarga de centralizar los recursos de la superficie que son enviados a Salem pero, a pesar de ello, vive de la basura de Salem. Para Kishiro, representa el mundo en el que estamos viviendo, en el sentido de que es un mundo amoral. Salem durante casi toda la 1º parte es una ciudad misteriosa, por ello no voy a hablar de ella de momento. Sólo decir que Salem viene de salom, palabra judía que tiene varios significados pero el más usual, y creo que al que Kishiro hace referencia, es paz. Para terminar decir que esta geografía creo que hay que considerarla como una clara metáfora del 1º mundo-3º mundo y Tierra-Cielo cristiano, en el sentido de que la 1º es una "valle de lágrimas" y el 2º un paraíso.

Y para terminar, los pjs principales, es decir, los que salen durante toda la obra, que sólo son 3. No me voy a extender mucho y voy a describirlos prácticamente como son al principio, pues van cambiando y esas sucesivas transformaciones hay que irlas explicando poco a poco.

Alita/Gally/Yoko: Alita es el nombre estadounidense, Gally como la rebautizan y Yoko el original. Finalmente este último nombre es el que triunfa. Sería interesante conocer los significados de estos nombres. Este pj, el protagonista, es lo que yo llamo una totalcyborg, es decir, lo único humano que tiene es el cerebro, marciana. Cayó a la Tierra desde Salem (tiene algo de ángel). Al principio de la obra sólo queda de ella la cabeza, la cual es recuperada por un reciclador de basura. Posteriormente nos enteramos de que tiene 300 años de antigüedad, que esta totalmente amnésica y que en su otra vida era una competente guerrera. De forma que Alita es a la vez una recién nacida y una especie de reencarnación. Importante el paralelismo entre ella y la humanidad del manga, pues como acabo de comentar, la humanidad también se puede considerar una recién nacida que conserva recuerdos de una encarnación anterior. También es importante tener en cuenta que esto de la reencarnación no es baladí, ya que el autor lo utiliza como metáfora de la reencarnación budista. Como luego se verá, Alita se ha "reencarnado" para expiar su karma. Este pj, a pesar de que es una máquina de guerra letalísima, tiene un aspecto frágil y adolescente. Un tipo de pj utilizado por muchos autores masculinos (y sueño erótico japonés) que ven en este tipo de mujer el pj más débil (y deseable) que existe. Pero este pj en verdad es un pj muy milleriano como muy bien ha visto T. Bermúdez. Alita es una especie de Marta Washington y no debe ser fortuito, pues parece por Gunnm, que Kishiro conoce bastante bien a Miller.

Desty Nova : es un científico loco que va ganando en presencia a medida que avanza la obra. Al principio es el anatagonista de Alita pero luego se va transformando en el mentor cruel y egoísta de Alita. Su objetivo científico es el alma, por lo que, por lo antes aludido, considera a Alita como el mejor objeto de experimentación para su investigación científica. Como todos los científicos locos es un tipo muy poco humano, ya que su genialidad y obsesión ha hecho que pierda tanto la cordura como la empatía. Es una especie de dr. Frankenstein. Su nombre, me imagino, significa nuevo destino, lo que es muy importante porque este pj en esencia busca un avance evolutivo de la humanidad, otra forma de la vieja idea de CF presente en los mutantes de la Marvel o, hablando de manga, en "Akira", "Biomega" o "Evangelion". Este nombre, por lo visto, viene de un pj de la canción "Astronomy" del grupo Blue Öyster Cult, que es un humano alterado por unos extraterrestres que interviene en el devenir histórico de la humanidad.
Koyomi: es un pj que va ganando en importancia. Al principio es un bebé por lo que poco puede contar, pero cuando deviene en adolescente, se convierte en una especie de escudera de Alita que la sirve, tanto a ella como a Kishiro, para recordar que es la humanidad, que es ser una persona normal (recordemos que Alita es un totalcyborg) y como ella era de joven, antes de ser una warmachine.

En fin, pues hasta aquí esta presentación, declaración de intenciones e introducción. Intentaré que la sección sea semanal pero es poco probable. Por otro lado, evidentemente, no os cortéis en ayudar, sugerir o corregir. Entre todos este análisis informal saldrá mejor y nuestra lectura de Gunnm será más satisfactoria.

Huérfano rolero

Supongo que sabréis que soy un rolero, pues bien, recientemente me he quedado sin grupo debido a diferencias personales que apestaban ya a irreconciliables. Así que ahora me toca buscarme un grupo rolero para poder continuar con mi pasatiempo favorito.

Como llevo jugando mucho tiempo, he jugado a la mayoría de los juegos que en España ha habido. Naturalmente, por haber jugado tanto, mastereo además de dar el coñazo jugando. Me gusta más la CF y lo que menos el D&D y el Vampiro. Pero como sabéis, lo importante es la partida y el grupo, no el juego.

En fin, soy de Madrid y no tengo problema, de momento, con horarios y tampoco con el sitio siempre que quedemos en Madrid, Madrid. Sólo pido una partida de prueba a modo de casting, para ver si encajo en el grupo.

Bueno, si alguien me puede ayudar se lo agradecería tanto que estaría dispuesto incluso a pagarle con mi primogénito.

Gracias.

Potentes, prepotentes e impotentes, Quino, Lumen 1989

La Naranja Mecánica en pantalla grande

Con motivo de su remasterización, "La Naranja Mecánica" (A Clockwork Orange, Kubrick, 1971) se ha reestrenado en algunos cines del mundo entero. Como he tenido la suerte de que algunos de ellos estan en la ciudad donde vivo, he ido ha videarla porque, además de ser una de mis pelis favoritas y que a Kubrick sólo se le debe ver en pantalla grande, es la 1º oportunidad que he tenido de verla en un cine. Así que la he videado un poco más de 3 años después de la última vez, experiencia sobre la que un jovenzuelo Lord Pengallan ya balbuceó. Así pues, voy a intentar no hacer otra lo vez lo mismo.

Lo 1º que me sorprende de todo esto es lo que ha pasado con "Saw VI". Si hay alguna peli que ha sido prohibida en el mundo entero durante años, si hay una peli a la que se ha acusado de hacer apología de la violencia, si hay una peli que tiene "bella ultraviolencia" es precisamente "La Naranja Mecánica". De hecho, esta peli en EE.UU. y en el Reino Unido tiene la calificación de, tachán, X! Así que me sorprende mucho lo que ha pasado con esta nueva entrega de Saw, no sólo porque creía vivir en un país donde nadie se molestaba en proteger nuestras infantiles mentes de espectáculos moralmente reprobables, sino también porque nadie se ha quejado, en estos tiempos de catolicismo protesta, del reestreno de "La Naranja Mecánica", ya que es una peli muy irreverente con el Cristianismo, pero sí alguien ha salido a prohibir Saw (estoy plenamente convencido de que los que lo han hecho eran absolutamente conscientes de que, obligar a estrenar una peli sólo en salas X en este país, es lo mismo que prohibir su exhibición cinematográfica) y además, sin que nadie lo haya pedido, lo que en esta vaga España nuestra es muy sorpendente. Para mi esto despierta muchos interrogantes. No tuvieron huevos de prohibir una peli que tiene más de 30 años y que se estrenó durante el franquismo? Son tan incultos que ignoran la existencia de esta peli? El organismo protagonista sólo se ocupa de estrenos? Pensaron que la masa, como siempre, es mostrenca, por lo que "La Naranja Mecánica" la iba a ir a ver poca gente (la fui a ver el sábado, 2º día en cartel, sesión 22:15, sala pequeña, 1/3, o menos, del aforo)? Es cierto que "La Naranja Mecánica" es mucho menos truculenta y brutal que las pelis que se hacen hoy (sean de la saga Saw o no), pero es mucho más subversiva, más irreverente y más transgresora que cualquier entretenimiento violento comercial que se hace hoy en día, además de ser Arte. En fin, todo esto refleja, al poner en evidencia la falta de criterio y las ansias mediáticas de algunos que parece que creen que no reciben la atención (y quizás fondos) que se merecen, la inmesa tontería que supone este tema. O bueno, igual es que son unos rebeldes.

Qué es ver "La Naranja Mecánica" en pantalla grande? Simplemente la leche. Es ver otra peli, algo, por otra parte, de perogrullo. La dirección de Kubrick sólo se plasma correctamente en una superficie grande. Sólo allí, su enorme talento y su espectacular y potente dirección son visibles al ojo humano, de forma que el videado cinematográfico es una experiencia bastante diferente al televisivo. Ver a Kubrick, no en grande, sino en el tamaño que él eligió y para el que dirigía, supone ser absorbido por la pantalla, por las imágenes, por la película, supone un tipo de éxtasis, de abandono de uno mismo. Y, como esta es para mi la mejor peli de Kubrick con diferencia, y teniendo en cuenta su bs (la peli es muy musical, prácticamente siempre esta sonando música), tan clásica como excelente, aderezada por unas composiciones de música electrónica, que aún suenan modernas, que potencian la cualidad hipnótica del arte de Kubrick, me ha entusiasmado como nunca y como pocas.

Sólo tras videarla en pantalla grande es cuando uno entiende el poder de la peli, porque fue recibida de esa forma, ya que, en comparación con el videado en tv, es como pasar de ver una persona a lo lejos a verla de cerca o como pasar de ver un cuadro en una foto de enciclopedia a verlo al natural. Es así cuando uno realmente se da cuenta de lo que hizo Kubrick. Del poder de las imágenes. Los títulos de crédito en pantalla grande son soberbios porque su absoluto minimalismo es más plástico que nunca al ocupar todo el campo visual, el 1º plano de la peli, el archifamoso 1º plano del careto de Álex, ahora es cuando se revela en todo su esplendor. Lo mismo que ese maravilloso travelín hacia atrás que lo sigue, porque es sólo así como se puede ver en toda su plenitud la delirante, obscena y machista decoración del bar Moloko. Del mismo modo, es ahora cuando el juego de sombras que preludia la paliza al mendigo es realmente hermoso, cuando la escena de la pelea con la banda de Billy Boy, cuando surgen Álex y sus drugos de las sombras, impacta, y cuando es realmente espeluznante la escena que preludia a la atrocidad que van a sufrir el escritor y su esposa (y por eso todo un referente en este tipo de escenas). Y qué decir de como son en pantalla grande las escenas a cámara rápida, las de montaje espasmódico (el videoclip va a llegar!) con el "baile" de los jesucristos a la cabeza, de los travelín, de la pelea donde Álex aborta la insoburdinación de sus drugos con esa majestuosa cámara lenta, de la exhibición de la "curación" de Álex con esa música tan rara y emocionante, de la singular escena donde los conspiradores esperan a que Álex se suicide y del final, mi parte favorita del film, que va desde que el ministro visita a Álex al hospital hasta el fin de los títulos de crédito? De la misma forma, es sólo en pantalla grande cuando se pueden ver ciertos detalles como el de los ojos sanguinolentos que adornan los puños del uniforme de Álex o cuando se puede ver bien cosas como la imaginería laudatoria del trabajo del portal del edificio donde vive Álex y su profanación. Lo mismo pasa con las actuaciones. En pantalla grande es cuando uno se da cuenta de que el oficialillo de prisiones es un hitlercito y que el actor que lo encarna hace una interpretación impresionante o cuando realmente tiene presencia la madre de Álex (un auténtico dibujo animado) o se ve lo pasada de rosca que esta la actuación del actor que hace de escritor, demencialmente histriónica e impactante gracias a como la magnífica la dirección de Kubrick.

También es cuando se puede apreciar bien el estilo de Kubrick, estudiar su trabajo. En pantalla grande es cuando las estudiadísimas composiciones hacen su epifanía de forma que el espectador queda impactado por el preciso y sutil trabajo de Kubrick, lo que explica porque su singular clasicismo, a pesar de que es la antítesis del estilo imperante hoy, sigue siendo actual y muy potente. Encuadres maravillosos de composición central, frontal y equilibrada con pocos y poderosos elementos (el minimalismo de nuevo) de resaca Pop que soportan, gracias a su maestría compositiva, los largos planos (mucho más hoy en la era del videoclip, donde pocos planos duran más de 5´´) que son el pilar del estilo de Kubrick. Un estilo que preludia a Greenaway (cada vez este director me parece menos raro) y unos planos que exigen mucho a los actores, lo que hace sobresalir más aún la, más que excelente, épica actuación de M. McDowell, quien no sólo esta espléndido, dinámico, elástico, expresivo, preciso, sino también heroico al aguantar una dirección muy exigente, de forma que resuelve con solvencia la papeleta de ser el elemento imprescindible para el éxito de la peli.

La peli es formalmente soberbia, y eso es mejor que el formol para preservar contra los estragos del tiempo y el cambio de modas. Pero también su fondo sigue estando vigente. Lo cual no debería sorprendernos, no sólo porque siempre la juventud parece perdida y decadente, sino porque es evidente que socialmente apenas hemos avanzado desde el 71 (mismo año que "Perros de paja"). Por eso el retrato de la juventud (fundamentalmente adolescente) sigue siendo exacto, por muy extremo que parezca. La moda particular, la jerga exclusiva, la íntima vinculación con un tipo de música, el comportamiento antisocial y el abismo que los separa de los adultos que siempre, y sobre todo hoy, ha caracterizado a la juventud, estan en el film. Por eso no sorprende ni parece exagerado que Álex y sus drugos apaleen un mendigo (recuerden a los que quemaron a una pobre), que violen (sobran ejemplos actuales) o que sean muy violentos después de alcoholizarse y drogarse (recuerden los disturbios de Majadahonda) y hace pensar que nadie debería exagerar con esto, que no es síntoma de ninguna enfermedad social posmoderna. Por otro lado, su critica a la sociedad moderna, también vale para la posmoderna como demuestra que el discurso que hace al principio el vagabundo sobre la incivilizada sociedad en que vive, sea el mismo de muchos comentaristas-columnistas de hoy y que aparezca la consigna más repetida del período Bush jr, la de que la gente esta dispuesta a intercambiar "libertad por seguridad". Por eso, su critica a la mecanización y la tecnificación de la sociedad y el pensamiento de que todo problema social-humano se puede resolver de forma científica-técnica también es actual. Igual que la que le cae al resultadismo como único objetivo político, porque consagra el pasar por encima de lo que nos hace humanos como nuestra libertad (y para un creyente católico como Burguess es precisamente el libre albedrío lo que nos hace tales) para obtener una estadística favorable, un índice favorecedor o un resultado popular. También critica la irresponsabilidad y la hipocresía social, pues son los mecanismos por los que la sociedad actual (formada por adultos) nunca se considera culpable de lo que en su seno acontece. No es la sociedad que hemos creado la culpable (aunque de acuerdo que la única no es) del comportamiento antisocial de los jóvenes, son ellos mismos. Yo como padre, como educador, como vecino, como persona pública no tengo nada que ver, son ellos solos. No me hacen caso no porque sea un inútil, sino porque son muy malvados, y yo, en eso, no tengo nada que ver, no es mi culpa. Esto es lo que muestran los padres de Álex y el trabajador social que se ocupa de su caso. Todos se desentienden de Álex. Los 1º no sólo dejan hacer a su vástago lo que quiera, sino que no quieren saberlo y prefieren tragarse sus burdas mentiras a discutir, educar o hacer el esfuerzo de imponerse. También es cierto que la peli deja traslucir que en parte es porque ellos estan ocupados por su absorbente trabajo (que cada vez, paradojas del progreso, es lo más habitual). Mientras que el 2º se toma su labor como una competición con Álex.

La pertinencia de esta critica y lo demoledora que es para con la sociedad y los políticos, es la que hace que siga siendo tan subversiva como antaño. Sólo su irreverencia se ha visto templada con los tiempos. Sus burlas al Cristianismo (quizás en Burguess demostraban el extremo vandálico al que había llegado Alex) me parecen las más destructoras que hay. Esos jesucristos escandalosamente desnudos y con el puño en alto (por lo visto imagen de la portada de "El Anticristo" de Nietzsche) que bailan gracias al montaje, me parecen más irreverentes que cualquier utilización de la iconografía cristiana para fines laicos, la fantasía de Álex latigando a Jesús (dios) es la fantasía de poder definitiva, además de ser lo más anticristiano concebible, y la reseña del Antiguo Testamento como un libro de sexo y violencia me parece una sátira demoledora. Por eso la visión positiva del cura, es el único que habla encontra de la técnica Ludovico, no compensa la demolición que hace Kubrick del Cristianismo. Otro aspecto ecandaloso que ya no lo es como antaño, aunque a diferencia del anterior, no es porque ya poca gente le tiene respeto al objetivo de la burla, sino porque el tema se ha normalizado, es el sexo. "La Naranja Mecánica" es la peli más procaz de este director. Las referencias sexuales, sobre todo a la polla (que alcanzan el sumun en la escena de la polla de porcelana), son una constante además, el sexo consentido se muestra de forma muy festiva (ahí esta el trío a cámara rápida con esa cachonda bs, genalísima forma de rodar eso). Lo único que perturba un poco en este tema, es la deshinibida exhibición de vello púbico porque, como la metrosexualidad lo ha desterrado, resulta un poco chocante su videado.

Burguess se quejó de que el final de la novela, donde Alex veía su error y se enmendaba, no es el de la peli. A mi me parece bien, pues la peli es de Kubrick. Es decir, él no era un automáta adaptador, sino un autor contándonos su lectura y buscando, en el libro de otro, un mensaje propio que trasladar. También porque me parece mejor, seguramente porque ni soy Burguess ni soy cristiano. El final, sin moraleja, cínico, poco alentador, desesperanzador, carga destructora anulada por la festiva y entusiasta fantasía de Álex donde se regocija en su humanidad con que termina la peli, me parece más realista y creíble y creo que este tipo de finales son más efectivos que los inverosímilmente edificantes, ya que estos no son más que soma.

Así pues, "La Naranja Mecánica" es insuperable visualmente y cuenta con unas actuaciones fabulosas, una bs perfecta y una historia crítica e interesante que más que de CF es de Ficción. Pues, aunque la novela se desarrolle en una Inglaterra que nunca ha existido, no hay en ella ningún elemento que se pueda considerar futurista. Es una parábola social, ni siquiera una distopía, pues es un retrato pertinente de la sociedad actual (y es escalofriante que nos clavasen hace ya casi 40 años) y por tanto, creo que ya deberíamos ir sacándola del saco de la CF porque el tiempo ha demostrado que no es donde debe estar esta POM, este peliculón, este clásico que, a diferencia de otros, sigue vigente y espectacular gracias a uno de los estilos cinematográficos más poderosos que el Cine ha visto.

Relecturas LXXIII: El Conan de J. Owsley parte I: La Saga de Tetra

Por fin hemos llegado a la etapa de Owsley, que no es otro que Christopher Priest, en Conan el Bárbaro. La segunda edad de oro de la cole. Desde la muerte de Belit (nº 100) la cole había bajado enteros hasta instalarse en una mediocridad gris de la que salía pocas veces por culpa, tanto de unos guionistas que nunca entendieron el pj ni se tomaron muy en serio su cometido, como de un J. Buscema que se implicaba muy poco. Así, la serie se arrastró, casi miserablemente, durante muchos años (6) hasta que Priest, a partir del nº 172 EE.UU., revolucionó las cosas de tal forma que incluso animó a J. Buscema a hacer los mejores nº de su larguísima etapa (desde el nº 25) como dibujante de la cole.

Esta saga la publicó forum entre 1986 y 1987 en los nº 100 a 113, ambos inclusive, que son los 172-185 estadounidenses, de su versión de esta cole.

Esta 1º parte de la larga etapa de Owsley, esta precedida por el anual 10, dibujado por E. Chan, que forum, haciendo gala del desorden con el acometió la publicación de Marvel en España, publicó en dos partes en los nº 120 y 121. Este anual no preludia el fantástico trabajo que iba a hacer Owsley en la cole regular ya desde el 1º día. Tiene cierta originalidad, porque incluyó algo de comedia en la historia al dar, para este anual, a Conan un secundario gracioso (que E. Chan dibuja como si fuese L. Carlissian). Más allá de eso, es una historia indistinguible de todas las que le preceden, por lo que es difícil atribuirla a un guionista concreto sólo con su lectura. Con todo, tiene ya ese dinamismo y modernidad que aportó Owsley a la cole y cierta potencia visual cuando aparece el monstruo.
Que por cierto, otro fallo de la edición de Conan el Bárbaro de forum que olvidé mencionar en el anterior post, es que no publicó todos los anuales (además de publicarlos desordenados y sin sincronía con la cole), no se publicaron los anuales del 1 a 5 y el 7. No publicar el 1º esta bien porque era la reimpresión de un par de nº de la etapa Thomas-BWS, pero los siguientes, excepto el nº 3 que contiene episodios de la Espada Salvaje de Conan, son material original. Por lo menos, posteriormente los editaría forum en una maxiserie limitada llamada Extra Conan el Bárbaro que comprendía estos anuales inéditos, menos el 1º, más los siguientes (5 más) que ya se habían publicado en la cole.

En fin, que el anual de Owsley no le mostraba como el recambio que iba transformar y a mejorar la cole. Por eso, su 1º nº es todo un sorpresón ya que es buenísimo. Nada de arranques lentos o período de adaptación. Desde la 1º página Owsley ya muestra que tiene las ideas claras y que sabe que es lo que precisa la cole de Conan, de forma que uno termina la lectura del 1º nº de Priest entusiasmado no sólo por la calidad del episodio sino, también, porque por fin Conan el Bárbaro vuelve a ofrecer algo bueno.

Lo 1º que hace Owsley es guionizar de forma más moderna que todos sus antecesores. Así, el dibujo se revaloriza, pues pasa a 1º plano, ya que nunca es sepultado por el guión o ninguneado por prosa descriptiva y redundante. Lo cual posibilita un ritmo más dinámico, ya que no hay tanta palabra y la redacción es más directa y breve. Pero Priest no olvida, y utiliza con habilidad para dar más profundidad a la viñeta, los cajetines de texto. Por otro lado, cambió a Conan. Desde la marcha de Thomas este pj había degenerado hasta convertirse en un estereotipo sin carisma e interés porque ninguno de los guionistas sucesores se había molestado en caracterizarlo, ya a su modo, ya siguiendo el trabajo de Thomas. Owsley corrige ese error de forma que Conan vuelve a ser un pj. Pero no retoma el de Thomas (lógico por otra parte, pues hace 6 años de aquel), sino que hace su propia versión, una especie de outsider espartano, es decir, un tipo duro, frío, poco hablador y a(nti)social por voluntad propia, de forma que es contundente, poco dado a exteriorizar sentimientos y no muy hábil en sus relaciones con los demás. Para compensarlo, pues el Conan de Owsley es un ser taciturno que prefiere la acción a hablar o dar explicaciones, dotó a la cole de una serie de secundarios bastante atractivos (sobre todo el cínico e individualista Keiv, por eso no extraña que consiguiese renovar para la saga siguiente) que son los que van a llevar el peso de la historia. Por último, decidió ser ambicioso, así que abandonó el esquema de historia autoconclusiva de cortas miras para contar sagas, que por su extensión son más propias de los tiempos actuales que de los 80 (por ejemplo, la de Treta dura nada menos que 13 nº), sin romper la fórmula de nº autoconclusivo en el que Conan ha de resolver algún conflicto de la serie. Por todo esto, no es de extrañar que la Saga de Tetra no haya envejecido nada, continue siendo una emocionante e interesante aventura, que va de menos a más, y cuente con algunos de los mejores nº de toda la cole.

El otro gran mérito de Owsley fue enganchar a J. Buscema. Este, como ya he dicho, generalmente tan solo abocetaba, de forma que los entintadores no solo entitaban. Por eso, nunca la cole volvió a alcanzar el atractivo visual de la etapa BWS, aunque muy de vez en cuando salía un nº notable visualmente. Esto cambió porque Owsley precisaba de un J. Buscema fino mucho más que todos los guionistas anteriores, ya que su guiones se apoyaban mucho en el dibujo. Necesitaba una narrativa más ágil y moderna, necesitaba unas viñetas más elocuentes y, sobre todo, un dibujo mucho más elaborado de los pjs, porque el guión de Owsley demandaba que estos fuesen expresivos. Todo esto lo entendió J. Buscema y aceptó el reto desde el 1º nº y así, cuando ya cualquier seguidor de la cole albergaba dudas sobre la veracidad del prestigio del dibujante, este demostró su verdadera talla. Así pues, Priest acabó con los dibujos para cubrir expediente hechos a bases de clichés y gestos genéricos y, por eso, gris, aunque no consigió que J. Buscema fuese tan redondo como lo fue BWS, a pesar de que era un dibujante más eficaz y sabio que este.
Para afrontar esta nueva etapa J. Buscema decidió ser honrado, por lo que dejó de fingir que le preocupaban los fondos. A partir de ese momento, quedó claro que pasaba de hacer fondos, así que adaptó su dibujo y la narrativa para que esta decisión no afectase la plasticidad de su labor. Partiendo de esta base, J. Buscema se concentró en hacer una narrativa, aunque, como antes, simple y clásica, más dinámica y con más recursos y, para combatir la sobriedad espartana del dibujo, dedicó mucha atención a las figuras. Pero no elaborando más su dibujo, ya que en estos nº su estilo es el de siempre, directo y sencillo con ecos de Hogarth (cuando no entintaba Chan, pues este le acercaba a Doré), sino siendo mucho más inteligente y preciso, menos automático que antes. De esta forma, volvió a ser, dibujando, el prestigioso dibujante que es, aunque, como siempre, se excedió en sobriedad (un pecado que canta más hoy que entonces).

Lo único que afea esta etapa es la sensación de que Owsley, a pesar de tener una idea general, la iba elaborando sobre la marcha, pues se perciben ciertas contradicciones entre los guiones de los diferentes episodios, a no ser que lean mensualmente. Lo mismo pasa con el dibujo de J. Buscema, pues este tampoco miraba sus páginas anteriores, seguro que por eso sus diseños son simplísimos (el gran pecado que cometió el dibujante en esta cole), de forma que, sobre todo la arquitectura, varia de página a página. Donde mejor se ve esto es el pj de Jahli, que es un chaval que debería ser mulato, pero ni J. Buscema lo dibujó como tal, ni el colorista lo trató como tal y Priest jamás dijo nada. Otro punto negro, esta vez no achacable a los autores, es la mediocre traducción de forum. La historia, como veis, se puede disfrutar igual, pero hay algunos errores que rompen la lectura porque hay que descifrar que demonios decía el original.

La Saga de Treta tiene una estructura muy moderna, en el sentido de que no es lineal y juega bien con el misterio. También, tiene muchos giros y sorpresas, por lo que su lectura, no sólo es ágil, sino también apasionante. Es difícil contar de que va, ya que empieza como una búsqueda de un tesoro cualquiera y termina con la venganza de un amor despechado. Por eso, se puede dividir en 2 partes, la 1º, nº 172 a 178, corresponde a la búsqueda y la 2º, nº 179 a 85, al amor despechado.

La 1º parte es bastante funcional y genérica, pero se lee con interés por la buena compenetración que alcanzaron los autores, la solidez de Priest en la caracterización y por el enérgico y atractivo dibujo de J. Buscema entintado por B. Camp, el único que no imponía su personalidad al dibujante de forma que, tanto la soltura minimalista del trazo como la expresividad del estilo de este, no estan ocultados por un entintamiento que no comprende, sobre todo, que J. Buscema esta dibujando para una serie en color. El 1º nº esta muy bien, sin ser nada especial, por su dinamismo y por la transformación del pj de Treta presentado en este mismo nº. Pj sexy cuando toca J.Buscema&Camp y, por labor de Owsley, interesante, carismático y lo suficientemente sólido como para que la compadezcamos. Vamos, que Priest llena las 22 páginas de acontecimientos e intensidad de forma que, sin hacer nada del otro mundo, entretiene y deja buen sabor de boca. La saga sigue por estos derroteros hasta llegar al nº 175, que es el 1º nº interesante de Priest. Es una historia de Terror nada original pero, como esta muy bien narrada y, sobre todo, capta fabulosamente la indomabilidad de Conan es un nº bastante intenso. Esta entintada por Chan. Entintador del que, ya sabéis, opino que no le hace ningún favor a J. Buscema, pero que aquí demuestra su pertinencia, pues deja claro que, por su estilo emulador del grabado decimonónico, es el entintador ideal cuando la historia es de Terror. Después de otros nº igual de buenos que los anteriores, llegamos al 178, el ecuador de la saga. Este nº es uno de los mejores de toda la cole, fundamentalmente gracias a Priest, ya que hace un trabajo estupendo, porque, J. Buscema&Chan no le sacan todas las posibilidades que tenían el desgarrador guión de Priest y el desolador escenario donde se desarrolla. Este nº es tan intenso, que la historia sólo puede continuar tras un giro radical. Que lo es tanto, que tardamos en enterarnos de que la saga esta continuando.
Esta 2º parte es la mejor de la saga, además de ser uno de los mejores momentos de toda la cole. El escenario es la ciudad El Sha Maddoc (Vivo, conquisto, reino! Cómo flipaba de adolescente con este lema). Un lugar decadente gobernado por un megalómano Maddoc II, que, por eso mismo, no puede evitar tener celos mortales de Conan, que es el escenario elegido por el villano de la historia para terminar todo el asunto. La historia sigue avanzando con funcionalidad pero con el ya acostumbrado sólido trabajo de Priest, sobre todo, y J. Buscema, hasta llegar al nº 183 que es el comienzo del clímax. A partir de aquí todo se va enrareciendo y precipitando hasta desembocar en el combate a cara de perro entre Maddoc II y Conan, que es uno de las más espectaculares y dramáticos de todos los de la serie, en el que de nuevo, el entintamiento de Chan se muestra muy adecuado, porque la pesadez y hieratismo que aporta van muy bien para dotar de intensidad los numerosos tiempos muertos de la conflagración. Todo esto ha sido el 184, uno de los nº más brillantes de toda la cole, pero no ha terminado todo, pues ese combate era sólo el prólogo para un final, si bien coherente con la historia y efectivo, un poco anticlimático y demasiado melodramático, sobre todo para una cole como Conan, de forma que desluce un poco el conjunto.

Así termina la Saga de Tetra y la 1º parte de la etapa de Priest. Una historia diferente a todo lo que hemos visto antes, protagonizada por un Conan más duro y expeditivo que nunca, contada con mucha sabiduría y vigor por Priest y solventemente dibujada por J. Buscema (muy bien apuntalado por Chan en los momentos claves) que por fin demuestra, en la cole, su talla.

Videados 71: La semilla del diablo, R. Polanski 1968

Acabo de ver esta peli después de unos cuantos años y me he encontrado una peli que no ha envejecido nada. Sigue igual de sobresaliente que siempre. Lo único es que es una peli cuyos revideados son muy diferentes al primer videado, por lo que nunca vuelve a maravillar tanto como la 1º vez. Aunque, por otro lado, los revideados permiten fijarse en los mil y un detalles que hay en la peli que son invisibles si se desconoce el final y, así, disfrutar con ella de otra forma.
Que la peli sea tan buena se debe sobre todo a Polanski. No sería el clásico que es hoy sin el acertadísimo y originalísmo, para entonces, enfoque elegido por Polanski al adaptar él la novela escribiendo el guión. La genial idea que tuvo fue optar por el naturalidad, por la vulgaridad, por la tranquilidad. En la peli no hay nada de estridencias, no hay nada escraboso, no hay maniqueísmo, no hay sobresaltos, en suma, no estan los típicos recursos del género pero aun así hay terror. Ese es el secreto del éxito de la peli, ese es el porqué de que sea fascinante, perturbadora, inquietante e incluso angustiosa al final, aunque si bien es cierto, que en ese último tramo abandona un poco la sobriedad y seriedad formal, cuando es una historia que transcurre a través de lo mediocre y de lo anodino.

El guión es maravilloso, además de por su apuesta por lo cotidiano para contarnos algo sobrenatural (genial ese guiño a las comedias románticas de la época), porque desarrolla la historia con una sutilidad exquisita y por lo bien que estan construidos los pjs. Esto último es importantísimo porque la faceta psicológica es crucial para conseguir una buena peli de Terror (por eso hay tan pocas). Cuando se consigue el retrato psicológico de las víctimas es cuando realmente se aterra al espectador, ya que se identifica con ellas. Para hacer eso fácil, la gran mayoría de los protas del Terror son gente igualita al target al que va dirigida el relato. Si los pjs se asustan, cómo no lo van a hacer ellos si son como ellos? Eso, aquí, Polanski lo consigue y la forma en que lo logra refleja que es un gran conocedor de lo humano (por eso es quien es), pues sus pjs se caracterizan no sólo por lo que dicen, que es lo usual porque es fácil, sino también por sus actos, pero no por los significativos y llamativos, sino por los cotidianos. Como se suele decir es en los pequeños detalles donde reside la excelencia del guión de Polanski, es en las cosas que pasan desapercibidas por ser intrascendentes y discretas. De esta forma los pjs de "La semilla del diablo" son como las personas reales al no seguir las claves del género. Sólo se conocen de verdad con el tiempo, siendo así como nos va enganchando Polanski, ya que nos vamos interesando en la peli a medida que profundizamos en el conocimiento de los protas. También, porque es un guión de terror muy bien medido, pues tiene las pistas y el progreso narrativo bien repartido de forma que con esos 2 elementos, el guión consigue que el interés vaya en crescendo, como ha de ser, consiguiendo así que el espectador nunca se desengache de la peli o se distraiga.

La dirección de Polanski es, a pesar de que era joven, tenía sólo un puñado de pelis a sus espaldas y de que pasó de dirigir en la Polonia comunista a Hollywood, fantástica. Que no acuse ninguno de los handicaps anteriores, ni siquiera el de adaptarse a Hollywood, que es muy difícil, como demuestra el hecho de que pocos directores extranjeros consiguen aclimatarse y hacer un cine decente. Aunque bueno, el caso este de la pedofilia igual refleja que no lo consiguió del todo, aunque tiene el eximente de que es posterior al asesinato de su esposa por unos chalados, lo cual desquicia a cualquiera, y que llegó a un Hollywood donde aún las estrellas podían hacer lo que quisieran porque los estudios eran lo suficientemente fuertes como para controlar la información.

En fin, que Polanski demuestra en "La semilla del diablo" que es uno de los directores más talentosos del siglo XX aunque, como Welles y otros, no sea muy evidente viendo su filmografía. La dirección, al ser excelente y plena de recursos, demuestra que Polanski era ya un gran conocedor del Cine. Hay mucho de Hitchcock en esta peli, pero eso no impide que su estilo sea modernísimo. Tanto que "La semilla del diablo" parece hecha ayer. Sus encuadres y su ritmo poco tienen que ver con el Hollywood clásico a pesar de que también apuesta por la sobriedad, la tranquilidad y la naturalidad. Lo mismo su crudeza, que no viene por lo mostrado, sino por la honradez y sencillez con la que se muestra, así como las secuencias oníricas (creo que nunca se ha filmado los sueños mejor que aquí, esa cámara al hombro, esa fotografía tan realista como quemada y la ausencia de sonidos conforman la mejor plasmación fílmica de lo onírico que he visto), que remiten a Buñuel y no al cine de la época, el cual, con excepciones, se limitaba a rodar linealmente a lo Hollywood sin mostrar fantasías, recuerdos o sueños. En fin, Polanski sin salirse del clasicismo practicó aquí un Cine más moderno, un Cine audaz y realista con un lenguaje más complejo, maduro y libre. Se ve en cosas como en que utiliza la cámara en mano (es con la que se rueda las escenas oníricas) cuando esta se inventó en "El Resplandor". Hasta ese momento pocos directores las utilizaban porque exigía inventar un método para que alguien pudiese cargar con las pesadas cámaras de la época. Así pues, lo mejor que hizo Polanski por la peli es darle un aspecto visual excelente sintetizando lo nuevo y lo clásico de forma que sólo el vestuario es lo que delata que "La semilla del diablo" es de los 60 y no de ayer. Otro aspecto indirecto de la actualidad de "La semilla del diablo" y de la apuesta por lo cotidiano es que es similar a un telefilm de sobremesa. Estos se dirigen fundamentalmente al público femenino por lo que estan protagonizados por mujeres y su trama es siempre un melodrama. Algo de esto hay en esta peli. Si la desnudamos y nos quedamos en lo esencial, vemos que la semilla no es más que una peli protagonizada por una mujer con una tragedia a la que nadie hace caso. La vida que toda mujer cree tener. En ese sentido Rose Mary no es más que una heroína de sobremesa más. Pero eso no tiene el resultado usual, es decir, un film mediocre y flojo que roza el ridículo cuando no cae en él, por lo bien hechas que estan las cosas.

Es muy lógico que si se cuenta con un guión muy bueno, es decir, que no sólo sea un buen argumento y un buen desarrollo de la historia, sino que también ayude mucho a los actores y a todos los demás agentes a dar la peli lo que esta necesita, y una buenísima dirección (que no sólo es poner la cámara, sino también manejar a la gente y conseguir que el actor actúe), las actuaciones sean excelentes. Todas en ese punto de naturalidad y vulgaridad que quería dar Polanski a su film. Por eso no extraña que todas, desde las más secundarias hasta la de M. Farrow, lo sean, aunque son las 4 principales las que destacan. Farrow esta excelente. Tan buena que su actuación es de las que sientan precedente, desde entonces todos los pjs femeninos del Cine de Terror han de hacer lo que ella e incluso parecerse a ella. Y eso a pesar de que su pj no es más que otra rubia frágil e ingenua del género. Cassavetes esta también perfecto. Su interpretación era difícil, pues casi siempre ha de hacerla en un segundo plano ya que lo importante de su pj siempre ocurre fuera de la pantalla, pero él lo consiguió (en esto es ejemplar la genial escena en que van a recoger a Farrow de la consulta del médico a la que esta acudió para pedir ayuda, para mí la mejor rodada, porque es un plano fijo con esta y el médico satánico en 1º plano y Cassavetes al fondo y en sombras y a pesar de ello, y con ayuda de un magnífico guión, Cassavetes esta perfecto). Hay que reconocer que es un pj tan bien escrito e interesante que se merece una peli que protagonizar. Nunca se ha hecho una peli con un pj así y creo que sería excelente, pues pocos villanos hay tan malvados y tan pusilánimes a la vez como él. No deslucen la pareja de viejos (la voz de la anciana en español es diferente a la original, lo que transforma al pj, pues no es tan desagradable en inglés). Ella, R. Gordon, hoy esta olvidada pero fue nominada 4 veces al Oscar y ganó uno por esta peli. Pero a mi, quien más me impresiona es su marido, S. Blackmer (actor fundamentalmente de tv), a quien por lo general no se destaca, pero sin él, sin su presencia, su carisma, su aire cosmpolita y solidez, la peli no hubiera sido tan buena. Sólo él podía interpretar al archibrujo con tanta solvencia y credibilidad.

No puedo terminar sin destacar el diseño de producción. Su trabajo no destaca porque es muy realista, pero sino hubiera conseguido tal nivel de normalidad y verismo la peli, a pesar de todo lo anterior, habría quedado coja. También la bs, aunque no es muy llamativa ni esta muy presente, lo que refleja la excelencia del guión, de la dirección y de las actuaciones, pues no necesitan apoyarse en la música para inquietar, asustar o avisar al espectador de que esta pasando algo.

Así pues, "La semilla del diablo" es una genial película, tanto que es la mejor del género, muy moderna gracias a un Polanski que preludia a Spielberg. También es una de las pelis más importantes de la Historia, pues supuso, tanto una revolución en el Cine Comercial de su época, análoga a la que supuso "Stars wars", como en el Cine de Terror, análoga a lo que supuso "2001" en el Cine de CF. Esto se ve muy claramente en la cantidad de pelis posteriores protagonizadas por el anticristo o por el hijo del Diablo. "La semilla de diablo" implantó en la gente la idea de que había llegado el "año uno" inoculándoles, por tanto, la necesidad de ver como el hijo del diablo crecía. Más sencillo, "La semilla del diablo" fue un fenómeno social y por tanto un hito que proyecta un sombra muy alargada. Lo meritorio de esto es que se consiguió a través de la calidad y el talento, por eso es fácil explicarse que, a pesar de ser una peli de los 60 (y saberse el final), sigue siendo angustiosa e inquietante, es decir sigue funcionando y además, y esto es lo mejor, excelente.

Bonus track: El fotógrafo del pánico (Peeping tom, M. Powell 1960) es una peli modestísima en todos los sentidos. Sólo es sobresaliente la interpretación de K. Böhm del psicópata protagonista porque, aunque no deja de ser convencional, le aporta tal veracidad que lo convierte en uno de los psicos más creíbles del Cine. La peli, como digo, formalmente no es nada del otro mundo, pero es especial por 2 cosas, su frescura audaz y su intimismo, características que explican porque fue una peli escandolosa y, sobre todo, incomprendida. La peli por un lado refleja un mundo oculto que, para los decentes (es decir, para los que quieren hacerse pasar por tales como bien ejemplifica la peli en la escena en la que el productor de pornografía, cuando entra en la sala donde esta se está haciendo, no levanta la vista del suelo), debía permanecer en la oscuridad. Este mundo era el de la pornografía (y estamos hablando de la de los 50, es decir, mucho antes del cine porno industrial o de las revistas más emblemáticas del género, es decir, de una época ingenua e inocente si la comparamos con cualquier época posterior). La peli sin moralina, con naturalidad y franqueza presenta como la pornografía existe y las personas normales son sus clientes. Esta honradez y sinceridad preside toda la peli y es lo que, a pesar de que ha envejecido bastante, la ha convertido en un clásico menor de la misma forma que hace que el resultado sea mejor que la mediocridad de todas las partes (con la salvedad de la actuación del actor principal). El otro punto que hace de esta peli un clásico menor del Cine, es que es una peli de autor. El director, Powell, uno de los mejores artesanos de cine B y entonces un cincuentón, en esta película se desnuda para contarnos porque es director y no otra cosa. Como era un tipo fogueado en el cine pop, no podía olvidar la faceta comercial, así que su confesión la envolvió en una historia de psicópatas más cercana al cuento que a como, hoy, se concibe este subgénero. Así, lo que subyace bajo la peli es que una persona nos explica porqué le fascina, hasta el punto de convertirlo en su vida, filmar a las personas, grabar lo que hacen. Porqué se mete en la vida íntima (el Cine es una intrusión en la intimidad que disculpamos todos porque es ficticia) de la gente y porque le gusta filmar las emociones y los sentimientos de esta. Esto explica porque la peli fue un escándalo y un fracaso. El público pop no es de los que quiere ver pelis de autor y no era la peli tal y como se publicitaba. Pero es precisamente por esto por lo que ha sido una peli influyente en el cine anglosajón, ya que todo director se ve reflejado en ella, y la convierte en una peli moderna a pesar de que es una peli muy de los 50. Esto último es porque trata un tema actual, pues hoy esa pasión por grabar la vida esta en la sociedad. Hoy en día, gracias a lo digital, mucha gente hace fotos de todo y rueda videos autobiográficos. Esto es, junto con una visión franca y nada peyorativa del porno, lo que hace que la peli ahora sea menos marciana. Lo que hace que en el abismo temporal que separa al espectador actual del estilo serie B de los 50 haya un puente que hace que este se sienta menos ajeno y le extrañe menos lo que cuenta la peli. Por todo esto, aparte de que, aunque es una peli modesta, esta muy bien hecha, notable la escena que preludia el 2º asesinato, al ser totalmente diferente a como se estila este tipo de cosas, y el resultado pictórico de la fotografía, y es original, es una peli que merece la pena ver.

Los dioses me han vuelto loco (Vengadores Oscuros)

Lo deben haber hecho porque me he comprado Vengadores Oscuros y, no voy a decir que me ha gustado, pero sí que me ha entretenido. Ya sabéis que no tengo en un pedestal a Bendis y Deodato. Los considero profesionales mediocres cuyas sombras oscurecen, casi por completo, sus luces. Así que sólo puede explicar el hecho de que, por el momento, vaya a seguir la cole, el que los dioses me han maldito.

Tacones de aguja en el VII dC! Delirio pop, ignorancia, dejadez o falta de creatividad?

A mi esto del Reinado Oscuro me la trae floja, quiero decir que no me impresiona. Esto me pasa porque he dejado de entender el UM desde que Bendis es el gallo del corral -La lógica interna con la que el UM funcionaba ha sido la única cosa que sufrió el efecto 2000- Dejando al margen Casa de M, pues siempre he ignorado los mutis, no he visto poderosas razones, es decir, los creativos de Marvel no me han convencido, del porqué de una guerra civil y de una Iniciativa. Tampoco le veo mucho sentido a la invasión skrull, aunque esta la digiero mejor porque es una historia muy pop, muy del género, recuerda a la Marvel pre90. Así que esto del Reinado Oscuro pues vale, pero no me habría parecido rara cualquier otra cosa. No veo más razones para este argumento que para otro distinto, de nuevo porque los guionistas no han currado lo suficiente como para convencer(me). El devenir de la invasión ha sido bastante artero y tontorrón, por lo que ningún cambio esta poderosamente justificado más allá de seguir la moda de esta década (cuánto daño hizo Bush jr. a EE.UU.): un mundo oscuro donde los malos mandan. Pero bueno, estas cosas son una de las características de la ficción pop. Así pues, no soy de esos que piensan que de esto pueden salir grandes historias. Pero lo hago sobre todo porque estoy seguro de que de estos guionistas no van a salir grandes historias.

Creo que lo ejemplifica bien esta cole. VO no es más que Bendis copiando a Busiek! Es la nueva versión de aquellos Thunderbolts que encandilaron al mismo fandom al que hoy le rechinan los dientes cada vez que lee un cómic de "su" Marvel. Vamos, que estos guionistas originalidad y frescura nula. Son fabricantes de productos y creadores de modas, pero no narradores de historias. Así pues este nº 1 de los VO, además de ser un autoplagio de los Poderosos Vengadores nº 1 (me imagino a Bendis fumando un puro y diciendo: "me encanta que los planes salgan bien") y Osborn ser el prota absoluto (quién le hubiera dicho a la Marvel que en un futuro su pj más popular iba a ser un villano; supongo que es lo que pasa cuando dejas de hacer comic para niños) es entretenido gracias a que Bendis es un dialoguista muy competente, ya que, por lo demás, todo es bastante convencional y gastado. Es imposible no rememorar todos esos nº del vol. I de los Vengatas dedicados a presentarnos una nueva formación, o todos esos relatos que se inician con el reclutamiento de los protas. Nada nuevo bajo el sol pues. Pero bueno, Bendis es calvo, es decir, ya no va a tener más ideas originales.

En cuanto a Deodato, sigo sin explicarme como un tipo tan torpe ha llegado tan lejos. No sabe dibujar, no tiene creatividad y se ha quedado anclado en los 90, por lo que sus continuos errores y su irregular narrativa sacan continuamente de la lectura. Así que, no entiendo porque dominar el claroscuro le basta para ser aclamado y que los frikis mojen sus bragas por él (aunque bueno, si algo caracteriza a los frikis es adorar a becerros de oro). Es que soy el único que ve al emperador desnudo?

Hay algo más machista, ridículo y noventero que esto?

Reconozco que hay algo de truco en esto. El sofisticado y competentísimo coloreado que viene recibiendo desde los Thunderbolts le favorece muchísimo, ya que hace a su dibujo más sólido y eficiente de lo que en verdad es. Pero eso no enmascara que su apuesta por el claroscuro muchas veces es contraproducente al eliminar la expresividad de los pjs. Es algo que hoy en día se esta olvidando. Los comics estan protagonizados por pjs, no por dibujos, por lo tanto, estos últimos hay que tratarlos como personas, hay que mostrar sus reacciones y demás. Si sueltan parrafadas que buscan una respuesta emocional en el lector, esta no se va a producir si la esta diciendo un manchón negro (o es que esto es un cómic gafapasta?). Lo que funciona en el Cine no funciona en el Cómic, porque este no tiene sonido ni se ve en las mismas condiciones (o alguien lee en una gran sala en penumbra?). Este fallo de Deodato se junta con la narrativa pésima de Bendis, lo que da como resultado un cómic mediocremente secuenciado. Por ejemplo:

Vaya por delante que las cosas se pueden narrar como se quiera. Que toda opción es válida, pero siempre hay formas de hacerlo muy bien y por eso deberían ser las escogidas. Saber cuales son es fácil, pues son las que mejor expresan y transmiten lo que se esta contado. Aquí, el dúo dinamico de calvos lo hace con el culo porque un diálogo largo e importante como este no se puede narrar de esta forma, con un zoom sin sentido a la cara del pj menos importante de los 2 que salen. El plano general es sólo para situar, por lo que debería ser lo 1º que vemos y no los bocadillos. Por otro lado aquí no se puede utilizar ese plano porque ocurre una acción, Osborn entrega algo, por lo que hay que verlo en ese momento y no 3 viñetas después, cuando el momento ha pasado. Por tanto, se debería haber utilizado, como mucho, un plano medio. La parte del diálogo de la 1º viñeta se debería haber tratado como mínimo en un plano corto de Osborn, para que veamos tanto su determinación como su poder. Lo contrario supone meter la pata hasta el fondo como lo ha hecho el dúo dinámico de calvos, ya que, con su forma, le han quitado a la conversación toda la fuerza. El problema viene con la, estúpida para el Cómic, forma de dialogar de Bendis. Las 4 réplicas de Victoria dificultan el narrarlo en una sola viñeta en que salga sólo Orborn ya que al ser preguntas, en off quedarían raras. Aunque esto seguramente se podría solventar encajando bien el anterior plano medio con el plano corto. A partir de aquí ya deberíamos haber comunicado a Bendis que su guión esta mal estructurado. Que no puede meter todo eso en una página de 5 viñetas, por lo que ha de recortarlo o solucionarlo en 2 páginas. Pero apechugamos y seguimos, la 2º viñeta podía quedarse tal cual, aunque apaisada, ya que hay tanto diálogo que es antiestético y erróneo hacerlo en vertical ya que el lector, cuando lee, no ve el dibujo. Es como si en la tv oyésemos el diálogo antes de ver, tanto el escenario como la cara que el actor ha puesto al recitar su diálogo. Esta muy bien elegido eso de Osborn delante y Victoria detrás tomando notas. Pero hubiera sido mucho más potente si a Osborn se le hubiera dibujado de frente para que se viese como le brilla la cara por su subidón de poder y no como aquí, un manchurrón negro (pero claro que dibuja Deodato, y él es el 1º en saber que no es capaz de hacer eso). La pregunta de Victoria: "De eso se trata todo?", es clave en la conversación, en el cómic y en el argumento este del RO, por lo que se merece, por lo menos, un plano medio y no la chapuza de un plano vertical, lejano y estrecho donde el pj se mira las uñas en vez de al cuestionado -Si preguntas mirándote las uñas no tienes el mismo efecto que si lo haces mirando a la cara del interpelado- La contestación de Osborn debería estar en un plano corto o medio porque esa es la mejor forma de parecer el tipo duro que va a por todas de los bocadillos. Si se le hubiera dibujado mirando al infinito, todo gallardo pensando en el futuro de esplendor que le espera y seguro de que no hay que mirar a sus lacayos para que estos obedezcan, hubiera sonado mejor, no? Aquí, como las réplicas son muy simples y afirmativas, se pueden dar en off sin problemas. Finalmente las 2 últimas viñetas, dado la estructura televisiva de los diálogos, deberían haber sido 6 viñetas si se quiere solventar con eficacia la conversación. Aunque alguna se podría ahorrar dependiendo de como se haya estructurado la página. 1º viñeta, Victoria recita su 1º bocadillo, 2º, la respuesta de Osborn viéndole la cara y no sólo la punta de la nariz, pues los espectadores han de comprobar que el tipo va en serio, 3º, la pregunta de Victoria. Que, al ser importante y directa exige un contraplano del interpelado. Lo que daría la 4º viñeta. A la que le seguirían 2 de Victoria, una que la mostrase mientras oye como va a ser su futuro y otra en la que se la viese sorprendentemente feliz y luminosa, que es el efecto buscado por el guión. Aquí, como vemos, Deodato casi acierta, pero el tan manierista como sobrante reflejo en la lente y la cara partida cercenan toda la expresividad del pj, así que al final lo bueno y lo malo, de nuevo, se neutralizan entre sí. Por otro lado, la última frase, o la siguiente, sobra, pues son similares. Como no se ha quitado, en vez de dar agilidad y ayudar a la transición, resulta redundante. De esta forma, entrambos, tiran por tierra un guión que, sin ser nada del otro mundo, es interesante y entretenido.

Qué te han hecho en los tobillos Ms. Marvel?!

Encima hay que contar con que Deodato, si no se basa en personas, sólo tiene 2 rostros. Es imposible diferenciar a Piedra Lunar de Ms. Marvel y de todas las "despampanantes" rubias que este brasileño con 2 manos izdas. ha dibujado durante toda su carrera, como Amora en su breve etapa en Thor hace mucho, mucho tiempo. Lo mismo pasa con Vigía, sólo se diferencia de su Thor por el uniforme. Para terminar con el vapuleo, volver a mencionar lo absurdo de dar el rostro de T. L. Jones a Osborn. Lo curioso es que dice Deodato que ha mezclado en ese rostro a este actor, a Bush jr. y a Walken, alguien ve a estos 2 últimos por algún lado, aunque sea en el blanco de los ojos? Bueno, fijándome bien creo que se refiere a que a veces se "inspira" en una foto de Bush o de Walken, no que haya mezclado sus rostros para hacer algo frankenstiniano. En fin, yendo al tema, a mi esto del Jones me saca totalmente de la historia porque cada vez que veo al Osborn este, yo me creo que estoy viendo al alcaide de "Asesinos natos" (aparte de a una persona real), por lo que no puedo entrar en el juego.

Dios! Ms. Marvel se esta deshaciendo!! No me puedo creer, Deodato que no hayas encontrado una foto que calcar.

Así pues este 1º nº de VO (que no encaja como un guante con lo narrado en los Thunderbolts) es entretenido y consolador, pues Bendis retoma la historia del dr. Doom que dejó colgada en sus PV, aunque parece que esta es más una historia que sale de la Casa de las Ideas (del reciclaje más bien) que una trama personal. El cómic funciona, aunque a veces sea chirriando debido a decisiones narrativas erróneas, el mal dibujo de Deodato y por abusar del claroscuro, de forma que no es la típica grapa-timo de Bendis, aunque seguramente sea porque tiene 32 páginas, pero tampoco es que cree muchas expectativas o intriga. Esto, sobre todo, viene por el ritmo lento, ya que, aunque uno no sabe que es lo que va a venir, lo que esta bien, sabe que lo va hacer muuuuyyyyyy leeeeennnntoooo, lo que esta mal. Pero bueno, esto viene siendo la tónica general y lo seguirá siendo hasta que alguien meta en cintura a los guionistas.